La “nuova materialità” come fenomeno nella pittura e nella grafica tedesca: nascita, sviluppo e caratteristiche. Maximilian Aleksandrovich Voloshin Nuova materialità nell'arte

NUOVA SOSTANZA (tedesco: Neue Sachlichkeit) - una direzione nella vita tedesca degli anni '20, che sorse come reazione all'es-pressionismo con la sua alta emotività e la stessa forma.

Il nome fu dato nel 1923 da G. Hart-lau-bom; nel 1925 organizzò anche una mostra personale a Kuhn-st-hall-le (Mannheim). Gli artisti della “Nuova Sostanza” non hanno creato un'associazione con un programma speciale e non hai fatto un passo con la collezione -tiv-us-mi-for-appearance-mi. Direzione della formazione della formazione, da ve-chav-shay a mini-ni-ru-yum-nei-buchi-dell'edificio nella società.

La prima guerra mondiale e le sue terribili conseguenze per la Germania (la ricostruzione del paese, il sentimento amaro per -tsio-nal-no-go-uni-zhe-niya, ob-ni-scha-nie na-ro-yes , na-ra-ta-ta-soc-ci-al-nyh pro-ti-vo-speech ) ha portato a uno stato d'animo di pigrizia opprimente, un sentimento di mancanza di prospettive e una mancanza di disperazione re-zul-tat-no -sti sforzi per migliorare la società. Vo-zob-la-da-la po-zi-tion da-re-shen-no-go, non-per-in-te-re-so-van-no-go studio dell'ok-ru- il desiderato azione e descrizione oggettiva delle sue manifestazioni. Lo stile caratteristico a destra appariva nella chiarezza delle linee, una solida con-tura pro-ri-sov-ke, colori locali brillanti su superfici lucide. Emozionale senza-cha-st-ness nel processo di de-tal-no-go “about-to-li-ro-va-niya” on-blue-dae- il mio oggetto ha una solidità, “materialità” dell'immagine , anche in questo genere (tipico per questo a destra), come un ritratto, una specie di scena, una veduta di una città con una persona mi fi-gu-ra-mi.

In che misura il movimento della “nuova materialità” ha coinvolto artisti con visioni del mondo diverse? da-iz-ma, ex-press-sio-ni-sty), ci vedi cose diverse. Nell'arte il cosiddetto. ve-ristov (O. Dix, G. Gros, M. Beckmann, K. Schad, R. Schlichter) pre-ob-la-da-li sa-ti-ri-che-ski camion le stesse cose sulla vita di città, porta-re-tu. Un gruppo speciale di so-sta-vi-li hu-dozh-ni-ki re-vo-luz. ori-en-ta-zioni, dedicando la propria creatività all'immagine della vita della classe operaia, delle chiamate sociali inferiori (O. Nagel, K. Kollwitz, H. e L. Grundig, O. Gribel).

Presentazione di una versione più contemporanea della “nuova materialità”, processo decisionale dal ver-guy e innovazioni d'avanguardia, e coinvolgimento sociale, ori-en-ti-ro-va-ly sulla forma classica, sulla ricezione della vita in-pi-si cento -rykh mas-te-rov. A questo ramo si unirono A. Kanoldt, G. Schrimpf, F. Lenk, K. Grossberg. In mezzo a linee chiare, modellazione attenta dei volumi, foresta traslucida-si-ro-wok della creazione sei dei giorni di qualcun altro, parole, ma strappate dai tempi, quindi bevi per la vita, per-ancora-mor- tu, circa-tempi di persone. Questa versione della “nuova materialità” è vicina al right-le-ni-em ma-gi-che-sko-go realiz-ma, con l’italiano meta-fi-zi- Che-skoy zhi-vo-pi- citare in giudizio. Con na-stu-p-le-ni-em na-ciz-ma, na-sa-zh-dav-she-go own es-te-ti-ku, la “nuova materialità” esce di scena hu -pre-vita .

Argomento della lezione: Civiltà occidentale nella prima metà del XX secolo. Arte e architettura. Parte 2.

Il capitolo discute le indicazioni: Nuova materialità, Art Déco, Bauhaus e costruttivismo sovietico .

Nuova materialità

Realismo magico è un metodo artistico in cui gli elementi magici sono inclusi in un'immagine realistica del mondo.

Nel suo significato moderno, il termine è più descrittivo che preciso. Originariamente il termine "realismo magico" usato da un critico tedesco Franz Rocco per descrivere un dipinto che raffigurava realtà alterata.

Le origini del realismo magico

Nozioni di base di latinoamericano realismo magico sono la letteratura, le credenze, il pensiero delle civiltà indiane precolombiane, come: Aztechi, Maya, Chibcha, Inca. Già nelle opere che hanno radici indiane, sia scritte dagli stessi indiani, sia da scrittori spagnoli - storici, preti, soldati, subito dopo conquista, si incontrano tutte le componenti di una meravigliosa realtà. Gli autori più significativi sono stati:

Francesco d'Avila- Prete peruviano che scriveva nella lingua Quechua e raccolto ricco materiale etnografico dei popoli Quechua.

Pedro Simone- sviluppatore del mito su El Dorado.

Bartolomé Arsans de Orsua i Vela- un residente della più grande metropoli del Vecchio e del Nuovo Mondo - Potosi, che ha sviluppato una combinazione di storia e mito.

Elementi di realismo magico (in letteratura)

Gli elementi fantasy possono essere internamente coerenti, ma non vengono mai spiegati.

I personaggi accettano e non sfidano la logica degli elementi magici.

Numerosi dettagli sensoriali.

Spesso vengono utilizzati simboli e immagini.

Le emozioni e la sessualità degli esseri umani come esseri sociali sono spesso descritte in modo molto dettagliato.

Il flusso del tempo è distorto in modo che sia ciclico o sembri assente. Un'altra tecnica è il crollo del tempo, quando il presente si ripete o assomiglia al passato.

Causa ed effetto cambiano di posto: ad esempio, un personaggio può soffrire prima di eventi tragici.

Gli eventi sono presentati da punti di vista alternativi, ovvero la voce del narratore passa dalla terza alla prima persona, frequenti transizioni tra i punti di vista dei diversi personaggi e monologo interno riguardante relazioni e ricordi condivisi.

Il passato contrasta con il presente, l'astrale con il fisico, i personaggi tra loro.

Il finale aperto dell'opera consente al lettore di determinare da solo cosa fosse più veritiero e coerente con la struttura del mondo: fantastico o quotidiano.

Realismo magico nelle belle arti

Realismo magico è uno stile di belle arti che utilizza realismo combinato con qualche apparente aberrazione della visione dell'artista nel rappresentare soggetti di tutti i giorni. Nella pittura, questo termine è talvolta intercambiabile con post-espressionismo. Nel 1925 il critico Franz Rocco usò questo termine per descrivere il dipinto che segnò l'inizio del ritorno a realismo dopo la stravaganza espressionisti, che modificava l'aspetto degli oggetti per rivelarne l'essenza interiore. Secondo definizione Rossa, altro importante Aspetti realismo magico nella pittura includono:

Ritorno agli oggetti quotidiani in contrapposizione al fantastico

Sovrapporre il movimento in avanti al senso della distanza, in contrasto con la tendenza espressionista ad accorciare il soggetto

L'uso di dettagli in miniatura anche in dipinti molto grandi, come i grandi paesaggi.

Artisti - rappresentanti del realismo magico

Mikalojus Čiurlionis, Marc Chagall, George Grieux, Karel Willink, Peter Doig, Pedro Ipinha, Paul Cadmus, Alex Colville, Michael Parkes, George Tooker, Ivan Albright, Wim Schumacher, Philip Evergood, Andrew Wyeth, Rob Gonsalves, René Magritte, Stanley Spencer , Georg Schrimp.

Art Deco, opzioni: art deco, art deco, art deco (Art déco francese lett. "arte decorativa", dall'Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes - "Esposizione internazionale di arti decorative e industriali moderne" 1925 Parigi)- un movimento nelle arti decorative della prima metà del XX secolo, manifestato nell'architettura, nella moda e nella pittura. Era una sintesi moderno E neoclassicismo. Caratteristiche distintive - modello rigoroso, motivi geometrici etnici, materiali lussuosi, chic, costosi e moderni(avorio, pelle di coccodrillo, alluminio, legni rari, argento). Negli Stati Uniti, nei Paesi Bassi, in Francia e in alcuni altri paesi art Deco gradualmente evoluto verso funzionalismo.

Revisione

Una mostra internazionale tenutasi nel 1925 a Parigi e ufficialmente chiamata "Esposizione Internazionale delle Arti Decorative e delle Industrie Moderne", ha dato vita al termine "art Deco". Questa mostra ha mostrato al mondo i beni di lusso realizzati in Francia, dimostrando che Parigi è rimasta un centro internazionale di stile anche dopo Prima guerra mondiale. L'artista ha ricevuto una medaglia d'oro Vadim Meller per la sua progettazione dello spettacolo teatrale "Berezil".

La direzione stessa art Deco esisteva anche prima dell'apertura della mostra nel 1925: fu un movimento notevole nell'arte europea degli anni '20. Raggiunse le coste americane solo nel 1928, dove negli anni '30 si trasformò in Semplifica la modernità - Ramo americanizzato art Deco, che è diventato il segno distintivo di questo decennio.

Parigi rimase il centro dello stile art Deco. Lo ha incarnato nei mobili Jacques-Émile Ruhlmann- il più famoso dei designer di mobili dell'epoca e forse l'ultimo dei classici parigini ebeniste(ebanisti). Inoltre, opere tipiche Jean-Jacques Rateau, produzione dell'azienda "Sue et Mare", schermi Eileen Gray, prodotti in metallo forgiato Edgar Brandt, metallo e smalto svizzero di origine ebraica Jean Dunant, bicchiere dei grandi Renè Lalique E Maurizio Marino così come orologi e gioielli Cartier.

Simbolo Art Deco nelle arti decorative e applicate divenne scultura in bronzo e avorio. Ispirato da "Stagioni russe" di Diaghilev, l'arte dell'Egitto e dell'Oriente, nonché le conquiste tecnologiche "età della macchina", i maestri francesi e tedeschi crearono uno stile unico nella piccola scultura negli anni '20 -'30, che elevò lo status di scultura decorativa al livello "alta arte". Rappresentanti classici Art Deco nella scultura sono considerati Dmitry Chiparus, Claire Jean Robert Colinet, Paul Philippe(Francia), Ferdinand Preiss, Otto Poertzel(Germania), Bruno Zack, J. Lorenzl(Austria). Appartiene alla più grande collezione di sculture in bronzo e avorio in Russia Casa russa Art deco e conta più di 700 opere uniche.

Sebbene termine art Deco nato nel 1925, non fu comunemente utilizzato fino al cambiamento di atteggiamento nei confronti di quest'epoca negli anni '60. Maestri di stile art Deco non facevano parte di alcuna singola comunità. Il movimento è stato considerato eclettico, influenzato da diversi fonti, Per esempio:

- "Secessione viennese" primo periodo (Wiener Werkstätte); design industriale funzionale.

Arte primitiva dell'Africa, dell'Egitto e degli indiani centroamericani.

Arte greca antica (periodo arcaico) - il meno naturalistico di tutti.

- "Stagioni russe" di Sergei Diaghilev a Parigi - schizzi di costumi e scene dell'opera Levi Bakst.

Forme sfaccettate, cristalline, smussate cubismo E futurismo.

Palette dei colori Fauvismo.

Forme rigorose neoclassicismo: Boullée (Étienne-Louis Boullée) E Schinkel, Karl Friedrich.

era Jazz.

Motivi e forme vegetali e animali; vegetazione tropicale; ziggurat; cristalli; scala coloristica in bianco e nero dei tasti del pianoforte (la cosiddetta. "raggiera").

Forme flessibili e atletiche delle atlete, di cui ce ne sono molte; angoli acuti di tagli di capelli corti per i rappresentanti della vita del club - flapper ("falda").

Progressi tecnologici "Età della macchina"- come radio e grattacieli.

Maestri art Deco mi è piaciuto molto usarli materiali, Come alluminio, acciaio inossidabile, smalto, intarsi in legno, pelle di squalo e zebra. Vediamo applicazioni audaci Forme a zig zag e a gradini, curve ampie ed energiche(al contrario delle curve morbide e fluide moderno),motivi chevron e tasti del pianoforte. Alcuni di questi motivi decorativi divennero onnipresenti, come il motivo chiave, che fu trovato nella progettazione di scarpe da donna, radiatori e aule. Sala da concerto della Radio City e guglia del grattacielo Chrysler building. Gli interni di cinema e transatlantici, come ad esempio "Ile de France" E "Normandia". Art Deco era uno stile lussuoso, e si ritiene che questo lusso- reazione psicologica all'ascetismo e alle restrizioni nel corso degli anni Prima guerra mondiale.

Una direzione stilistica che si è sviluppata parallelamente a art Deco e vicino ad esso era adiacente Semplifica la modernità (il nome deriva dall'inglese "streamline" - "flow line", un termine dal campo dell'aerodinamica che caratterizza tali forme esterne di macchine e meccanismi che forniscono loro la migliore funzionalità e velocità durante il movimento o il volo). IN "Semplifica il moderno" troviamo una crescente influenza dello stampaggio industriale e delle tecnologie aerodinamiche, che hanno avuto origine dallo sviluppo della scienza e degli oggetti di produzione di massa, portando alla comparsa in opere di questo stile sagome di aeroplani o proiettili di rivoltella- quegli articoli per i quali sono così importanti semplifica. Quando il progetto della prima vettura dell'azienda Chrysler mettere in vendita in massa "Flusso d'aria Chrysler" si è rivelato popolare nel 1933, utilizzando i moduli "snellisce" cominciò addirittura ad essere utilizzato per oggetti come temperamatite o frigoriferi. IN architettura I tratti distintivi di questo stile sono angoli arrotondati, utilizzato principalmente per gli edifici agli incroci stradali.

Alcuni ricercatori credono art Deco variante o forma iniziale modernismo.

Art Deco scomparve silenziosamente dopo l'avvento della produzione di massa, quando era considerato vistoso, di cattivo gusto e finto-lussuoso. La privazione pose fine definitivamente a questo stile Seconda guerra mondiale. Nei paesi coloniali come l’India art Decoè diventata la porta d'ingresso modernismo e non scomparve fino agli anni '60. Rinascita di interesse per art Deco negli anni '80 era associato al design grafico e alle associazioni art Deco con nastri in grande stile "film noir" e il fascino degli anni '30. ha portato al suo riutilizzo in gioielleria e nella moda.

Famosi artisti e designer Art Déco

Adolphe Mouron Cassandre (1901-1968) francese. Adolphe Jean Marie Mouron Cassandre
Jean Dunant (1877-1942) francese. Jean Dunand
Jean Dupas
Erte (Romain de Tirtoff)
Vadim Meller (1884-1962) russo. Vadim Georgievich Meller
Alexandra Exter (1882-1949) russa. Alexandra Alexandrovna Ekster (Grigorovich)
Sonia Delaunay (1885-1979)
Elena Gray
Georg Jensen
René Lalique (1860-1945) francese. René Jules Lalique
Georges Barbier (1882-1932)
Jules Leleu
Tamara de Lempicka (1898-1980) polacca. Tamara Łempicka
Paolo Manship
Émile-Jacques Ruhlmann
"Sue et Mare"
Walter Dorwin Teague
Carl Paul Jennewein
Georgy Dmitrievich Lavrov (1895-1991) George Lavroff

Famosi architetti Art Déco

Cormier, Ernest (Ernest Cormier)
Hood, Raymond (Raymond Hood)
William van Allen
Rowland, Wirt (Wirt C. Rowland)
Luce solare, Joseph (Joseph Luce solare)
Antonio, Pablo (Pablo Antonio)
Walker, Ralph (Ralph Walker)
Kahn, Ely Jacques Kahn

Bauhaus (tedesco: Bauhaus, Hochschule für Bau und Gestaltung - Scuola superiore di costruzione e progettazione artistica o Staatliches Bauhaus)- un'istituzione educativa che esisteva in Germania dal 1919 al 1933, nonché un'associazione artistica nata nell'ambito di questa istituzione e una corrispondente direzione in architettura.

A scuola rilasciato "Manifesto" 1919 anno, l'architettura fu nominata la direzione principale del design, furono proclamati i principi di uguaglianza tra le arti applicate e le belle arti e furono dichiarate idee per migliorare la qualità dei prodotti industriali. I fondatori del movimento consideravano l'obiettivo la soddisfazione dei bisogni di massa della popolazione e cercavano di rendere i beni industriali belli, accessibili e il più convenienti possibile.

Storia

Scuola Bauhaus (Bauhaus statale) venne costituita a Weimar il 25 aprile 1919 a seguito dell'unificazione Università di Belle Arti della Sassonia-Weimar e basato Henri Van de Velde della Scuola di Arti Applicate della Sassonia-Weimar. Essere l'iniziatore della creazione di un nuovo stabilimento, alla posizione di manager A.Van de Velde propose la candidatura di un giovane architetto berlinese Walter Gropius.

Insegnanti e studenti dell'epoca Repubblica di Weimar visioni di sinistra unite e approcci innovativi all’arte. Gropius credeva che nella nuova era l’architettura dovesse essere strettamente funzionale, economica e orientata alle tecnologie di produzione di massa. La scuola pubblicava una rivista con lo stesso nome (Bauhaus) e serie Bauhaus-libri (Bauhausbucher).

Nel 1925, quando le autorità di Weimar smisero di sovvenzionare la scuola, l'istituto cessò di esistere a Weimar e fu trasferito a Dessau.

Il direttore della scuola dal 1919 al 1928 fu Gropius, poi è stato sostituito Hannes Meyer, e nel 1930 prese una posizione di leadership Ludwig Mies van der Rohe. Oltre a loro erano impegnati nell'insegnamento molti principali architetti E artisti d'avanguardia, in particolare I. Itten, L. Moholy-Nagy, P. Klee, W. Kandinsky, L. Feininger, O. Schlemmer, G. Marx, J. Schmidt, G. Stölzl.

Nel 1933 la scuola fu soppressa dal governo nazista (i nazisti si opposero anche negli anni '20) Bauhaus, considerando la scuola un terreno fertile comunismo).

Insegnanti del Bauhaus

In tempi diversi, i seguenti artisti hanno insegnato presso l'istituto scolastico:

Herbert Bayer, Josef Albers, Naum Gabo, Walter Gropius, Johannes Itten, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Laszlo Moholy-Nagy, Piet Mondrian, Ludwig Mies van der Rohe, Lionel Feininger, Oskar Schlemmer.

video in inglese circa Bauhaus, anche se non conosci la lingua, lì è tutto chiaro - progettazione delle cose:

Per chi fosse interessato ci sono altri video su YouTube.

Pubblicazioni del Bauhaus

"Staatliches Bauhaus Weimar. 1919-23", (1923); serie "Bauhausbücher" (dal 1925); rivista Bauhaus. Zeitschrift für Bau und Gestaltung (dal 1926).

Costruttivismo - Sovietico avanguardia metodo (stile, direzione) nelle belle arti, architettura, fotografia e arti decorative e applicate, sviluppato nel 1920 - all'inizio. 1930.

È caratterizzato da rigore, geometrismo, forme laconiche e aspetto monolitico. Nel 1924 fu creata l'organizzazione creativa ufficiale dei costruttivisti: VESPA, i cui rappresentanti hanno sviluppato il cosiddetto metodo di progettazione funzionale , basato su un'analisi scientifica delle caratteristiche funzionali di edifici, strutture, complessi urbanistici. Caratteristica monumenti del costruttivismo- fabbriche di cucine, palazzi del lavoro, circoli operai, case comunali dell'epoca indicata.

Questo è creativo visione del mondo quello che comunemente viene chiamato Costruttivismo entro i limiti dello stile architettonico, è apparso un po' prima che direttamente nell'architettura. Costruttivismo, così come funzionalismo Con razionalismo, viene solitamente definito concetto "architettura moderna".

Durante questo periodo ci fu anche un movimento letterario nell'URSS costruttivisti.

L’emergere del costruttivismo

Costruttivismoè considerato un fenomeno russo (sovietico) sorto successivamente Rivoluzione d'Ottobre come una delle direzioni dell'arte nuova, d'avanguardia e proletaria, sebbene, come ogni fenomeno artistico, non si limiti a un paese. Quindi, anche l'araldo di questo stile in architettura fu Torre Eiffel, combinando elementi come moderno, COSÌ Costruttivismo. Come ho scritto V. V. Mayakovsky nel suo saggio sulla pittura francese: "Per la prima volta, non dalla Francia, ma dalla Russia, è arrivata una nuova parola d'arte: il costruttivismo..."

Come è nata questa direzione fondamentalmente nuova?

Nelle condizioni della ricerca incessante di nuove forme, che implicava l'oblio di tutto "vecchio", gli innovatori ne proclamarono il rifiuto "l'arte per l'arte". Da ora in poi si supponeva che l'arte fosse al servizio... della produzione.

La maggior parte di coloro che successivamente si unirono al movimento costruttivisti, erano gli ideologi dei cosiddetti "produzione artistica" . Hanno invitato gli artisti "creare consapevolmente cose utili" e sognavo una nuova persona armoniosa, che usava cose comode e viveva in una città confortevole.

Quindi, uno dei teorici "arte di produzione" B. Arvatov l'ha scritto "...Non raffigureranno un bel corpo, ma educheranno una persona reale, viva, armoniosa; non dipingeranno una foresta, ma coltiveranno parchi e giardini; non decoreranno i muri con quadri, ma dipingeranno questi muri..."

"Arte produttiva" non è però diventato più che un concetto, il termine Costruttivismo fu pronunciato proprio dai teorici di questa direzione (nei loro discorsi e opuscoli le parole "progetto", "costruttivo", "progettazione dello spazio").

Oltre alla suddetta direzione verso il divenire Costruttivismo ha avuto un impatto enorme futurismo, suprematismo, cubismo, purismo e altri movimenti innovativi degli anni '10, ma la base socialmente determinata era precisa "arte produttiva" con il suo appello diretto alle attuali realtà russe degli anni '20.

Metodo funzionale

Metodo funzionale- esiste un concetto teorico costruttivismo maturo (1926-1928), basato su un'analisi scientifica delle caratteristiche funzionali di edifici, strutture, complessi urbanistici. Pertanto, i compiti ideologico-artistici e pratici-utilitaristici sono stati considerati insieme. Ad ogni funzione corrisponde la struttura spaziale più razionale ( la forma segue la funzione). Su quest'onda c'è una lotta costruttivisti contro l'atteggiamento stilizzato verso Costruttivismo. In altre parole, leader VESPA lottato contro la trasformazione Costruttivismo dal metodo allo stile, all'imitazione esterna, senza comprenderne l'essenza. Pertanto, l'architetto è stato attaccato G. Barkhin, che ha creato il famoso Casa "Izvestia".

In questi stessi anni ebbe luogo una mania costruttivisti idee Le Corbusier: l'autore stesso è venuto in Russia, dove ha comunicato e collaborato fruttuosamente con i leader VESPA.

Nell'ambiente VESPA una serie di promettenti architetti, ad esempio fratelli Golosov, I. Leonidov, M. Barshch, V. Vladimirov.

Costruttivisti partecipare attivamente progettazione di edifici industriali, stabilimenti di cucine, centri culturali, circoli, edifici residenziali.

Una figura speciale nella storia Costruttivismo considerato lo studente preferito A. Vesnina - Ivan Leonidov, proviene da una famiglia di contadini, che ha iniziato il suo viaggio creativo come allievo di un pittore di icone. I suoi progetti in gran parte utopici e orientati al futuro non furono utilizzati in quegli anni difficili. Me stessa Le Corbusier chiamato Leonidov "il poeta e la speranza del costruttivismo russo". Lavori Leonidova e ora ammirano le loro linee: sono incredibilmente, incomprensibilmente moderne.

Costruttivismo nel design e nella fotografia

Costruttivismo- un indirizzo che è principalmente legato all'architettura, ma tale visione sarebbe unilaterale e addirittura estremamente errata, perché, prima di diventare un metodo architettonico, Costruttivismo esisteva nel design, nella stampa e nella creatività artistica. Costruttivismo V fotografie segnato geometrizzazione della composizione, riprese da angolazioni vertiginose con una forte riduzione dei volumi. Tali esperimenti sono stati condotti, in particolare, da Aleksandr Rodčenko.

IN grafico tipi di creatività Costruttivismo caratterizzato dall'uso del fotomontaggio al posto delle illustrazioni disegnate a mano, dalla geometrizzazione estrema e dalla subordinazione della composizione a ritmi rettangolari. Era stabile colori: nero, rosso, bianco, grigio con l'aggiunta di blu e giallo. In zona moda ce n'erano anche alcuni costruttivista tendenze - sull'onda del globale passione per le linee rette nel fashion design, Crearono gli stilisti sovietici di quegli anni forme decisamente geometriche.

Tra stilisti spicca Varvara Stepanova, che dal 1924, insieme a Lyubov Popova ha sviluppato progetti di tessuti per Prima fabbrica di stampa di calicò a Mosca, era professore Facoltà Tessile di VKHUTEMAS, modelli disegnati di abbigliamento sportivo e casual.

Alexander Rodchenko e Varvara Stepanova

“Nuova materialità” / Neue Sachlichkeit è un movimento artistico tedesco che ha avuto origine negli anni ’20 ed è durato fino all’ascesa al potere dei nazisti nel 1933.

Apparsa inizialmente nelle arti visive, la “nuova materialità” diffuse rapidamente la sua influenza nella letteratura, nella musica, nel cinema e nell’architettura.

Gli esperti ritengono che la “nuova materialità” in Germania abbia caratteristiche regionali pronunciate, eppure tutte le opere di questo movimento dimostrano forme esageratamente chiare e attentamente dettagliate, e i personaggi sembrano in qualche modo alienati e congelati.

Non essendo esperti in materia, proponiamo semplicemente di conoscere tre edifici di Erfurt, che gli storici dell'arte classificano come architettura della “nuova materialità”.

Nel 1928-1929 L'architetto Theo Kellner costruì il primo edificio con struttura in cemento armato di Erfurt per l'Allgemeine Ortskrankenkasse (Augustinerstrasse 38).

L'edificio molto semplice, rivestito in pietra arenaria, sarebbe del tutto poco appariscente se non fosse per il suo portale dalla forma insolita e per gli altorilievi di grande formato che fiancheggiano la porta d'ingresso su entrambi i lati.

Tutti i lavori scultorei sono stati eseguiti dallo scultore di Erfurt Hans Walter.

L'edificio successivo, eretto per una filiale della Banca fondiaria della Germania centrale, apparve sulla principale via commerciale di Erfurt nel 1930 (Anger, 25-26, architetti Johannes Klass e Ludwig Boege).

I piani superiori della facciata sono separati orizzontalmente da nastri di finestre, e nei due piani inferiori compaiono verticali ottici sotto forma di due fregi con altorilievi dello stesso scultore Hans Walter.

Le figure sul fregio sinistro simboleggiano la stravaganza.

Di conseguenza, sul lato destro ci sono immagini di frugalità.

Questi altorilievi un tempo portarono a uno scandalo intraurbano. I circoli conservatori e di destra di Erfurt definivano quest'arte “degenerata” e chiedevano che la “bruttezza” fosse rimossa dalla strada principale della città.

Il terzo, forse l'edificio più imponente, costruito nel 1934-35. per la Cassa di Risparmio di Erfurt, si trova nella piazza centrale medievale della città Fischmarkt/Mercato del Pesce.

L'architetto Johannes Klass ha dovuto affrontare un compito molto difficile. Da un lato, la nuova cassa di risparmio avrebbe dovuto creare un insieme armonioso con il municipio neogotico della fine del XIX secolo, al quale è strettamente adiacente. D'altronde l'edificio in vetro e cemento armato non doveva essere in dissonanza con le case medievali che si ergevano lungo il perimetro della piazza.

Va detto che l'architetto ha affrontato abbastanza bene questo difficile compito. Tra il municipio e l'edificio principale della cassa di risparmio collocò un volume basso che collegava otticamente entrambi gli edifici.

L'unica finestra dello scalone riprende le linee verticali del neogotico Palazzo Comunale.

Altorilievi con segni zodiacali incorniciano la finestra dal basso verso l'alto.

La facciata liscia e ora monocromatica della cassa di risparmio era originariamente ricoperta da murales dell'artista di Monaco Luise Klempt.

Purtroppo questi affreschi murali non sono sopravvissuti.

Quasi all'angolo, nella parte inferiore dell'edificio, si trova un altorilievo.

Sul lato opposto rimane la cassetta postale originale.

La parte superiore sovrastante poggia su pilastri, i cui “capitelli” sono sculture in pietra realizzate dallo stesso scultore di Erfurt Hans Walter.

Le immagini scultoree sono progettate per personificare i vizi e le debolezze umane, come la gola, la civetteria, la pigrizia, la stupidità e l'avidità.

Va detto che queste cifre fanno un'impressione strana e allo stesso tempo forte. Da un lato sembrano irreali e in qualche modo distaccati, dall'altro tutti i personaggi sono molto specifici e infantilmente diretti.

Ma, ripetiamo, non siamo esperti nel campo dell'arte e non osiamo discutere l'argomento “Cosa è bene e cosa è male”. Volevamo semplicemente mostrare la “nuova materialità” del modello di Erfurt ed esprimere i nostri sentimenti puramente soggettivi da ciò che abbiamo visto.

Artista comunista tedesco: dipinti degli anni '20

Georg Scholz (1890-1945). Lavoro delicato. 1920/1921. Kunsthalle, Karlsruhe / Georg Scholz. Lavoro delicato. 1920/1921. Zeitungsträger oder Arbeit schändet - Consegna della carta o disgrazie del lavoro. 30,5×49,3 cm. Kunsthalle Karlsruhe. via, via

Nel mondo anglosassone il termine divenne celebre con la mostra “American Realists and Magic Realists” tenutasi nel 1943 al Museum of Modern Art di New York. Il direttore del museo Alfred H. Barr ha scritto che il termine “è stato talvolta applicato al lavoro di artisti che tentavano, mediante precise tecniche realistiche, di rendere credibili e convincenti le loro incredibili, spettrali e fantastiche visioni”.

3.

Georg Scholz. Città tedesca di notte. 1923. Opera proveniente da una collezione privata al Museo d'arte di Basilea / Georg Scholz. Deutsche Kleinstadt bei Nacht, 1923. Öl auf Karton. Kunstmuseum Basel, Leihgabe aus Privatbesitz Inventar Nr. G2010.11. attraverso

Il nome fu dato da Gustav Hartlub, direttore della Kunsthalle di Mannheim, in occasione di una mostra tenutasi lì nel 1925 e si riferiva ad artisti rimasti fedeli a una realtà positiva e oggettiva. Questo movimento non si distingueva per l'omogeneità stilistica; la posizione generale era il desiderio di mostrare il male in dettaglio ai fini di un'acuta satira sociale. Rappresentanti di spicco della “Nuova Materialità” furono Otto Dix (1891-1969), Georg Gross (1893-1959), Konrad Felixmüller (1897-1977), Christian Schad (1894-1982), Rudolf Schlichtsr (1890-1955). Negli anni ’30, con la diffusione del nazismo, questo movimento cessò di esistere.

5.

Georg Scholz. Seduto con un busto in gesso, 1927 / Georg Scholz. Nudo femminile con busto in gesso. 1927. Staatliche Kunsthalle Karlsruhe. La mostra "", Museo Guggenheim. attraverso

Georg Scholz è nato a Wolfenbüttel. Ha ricevuto la sua formazione artistica presso l'Accademia di Belle Arti di Karlsruhe. Dopo essersi diplomato all'Accademia, ha continuato i suoi studi a Berlino. Durante la prima guerra mondiale, dal 1915 al 1918, prestò servizio nell'esercito.

Nel 1925 Georg Scholz ricevette una cattedra presso l'Accademia statale delle arti di Karlsruhe. Nel 1926 Scholz iniziò a collaborare con la rivista satirica Simplicissimus. Nel 1928 visitò Parigi.

6.


Georg Scholz (1890-1945). Autoritratto, 1926. Kunsthalle, Karlsruhe / Georg Scholz (1890-1945). Autoritratto davanti alla colonna Litfaß, 1926.

Dopo che Hitler e i nazionalsocialisti salirono al potere in Germania nel 1933, Scholz perse rapidamente il lavoro di insegnante. Le sue opere erano considerate arte degenerata e nel 1937, nell'ambito di una campagna per “ripulire” la cultura tedesca, le sue opere furono confiscate. Nel 1939 all'artista fu proibito di dipingere.

Nel 1945 le truppe francesi nominarono sindaco Georg Scholz

La nuova materialità (Neue Sachlichkeit) è un movimento artistico sorto nella Germania di Weimar negli anni '20. Si ritiene che questo movimento abbia unito i fenomeni della letteratura e dell'arte che hanno sostituito l'espressionismo e ne sono diventati l'opposto dimostrativo.

Il nome nuova materialità fu coniato nel 1925 dal direttore del Museo d'arte di Mannheim, Gustav Hartlaub, cercando di determinare l'allontanamento dei giovani artisti dalle avanguardie e il loro ripensamento delle tradizioni realistiche. Un'intera coorte di artisti si unì alla Neue Sachlichkeit, ma fu la pittura di Christian Schad a diventare il segno distintivo del nuovo movimento.

Ritratto di Marcella, moglie dell'artista, 1926

Christian Schad era un beniamino della fortuna, suo padre era un ricco avvocato e per la prima metà della sua vita Christian non ebbe difficoltà finanziarie. Quando iniziò la guerra e i suoi compagni, in un impeto di patriottismo, andarono insieme al fronte, Christian (apparentemente con l'aiuto degli amici di suo padre) finse di avere una malattia cardiaca e ricevette un biglietto bianco. Nonostante la guerra, la vita artistica in Germania continua e nel 1915 Christian Schad espone per la prima volta le sue opere alla Secessione di Monaco. Intanto il Moloch della guerra pretendeva sempre più vittime, la Germania subiva perdite mostruose nelle Fiandre e vicino a Verdun cominciavano a richiamare tutti. Christian ha deciso di non correre rischi ed è partito per Zurigo.

A Zurigo Christian Schad si interessò per la prima volta alle xilografie...

Prima del balletto, 1915

Auto ritratto

Poi successivamente futurismo, cubismo, espressionismo...

Ritratto di Walter Zerner, 1916

E nel finale aderisce al movimento Dada.

Dopo la fine della guerra iniziò il periodo più interessante nell'opera di Christian Schad, che, insieme ad altri figli prodighi del realismo, decise di tornare alle radici;

Anna Gabbioneta, 1927

Joseph Matthias Hauer, compositore e teorico musicale, creò indipendentemente da Schönberg un sistema di composizione a 12 toni (dodecafonia)

Ludwig Baumer, 1927

Maria e Annunziata, attrici del Teatro Rossini di Napoli, 1923

Lotte, 1927-1928

Dottor Hans Haustein

Il dottor Haustein era un famoso dermatologo, uno dei migliori specialisti nella cura della sifilide, ma divenne ancora più famoso grazie al salone che organizzò insieme alla moglie Friedel. Il salone divenne il centro della vivace vita berlinese degli anni '20. Il salone veniva visitato dalle migliori persone della città per assaporare i frutti della “più alta libertà intellettuale ed erotica”. Gli ospiti del salone erano molte celebrità, in particolare lo scrittore Lion Feuchtwanger e il commissario del popolo Anatoly Lunacharsky.

"Ombra fumante" sul muro, questa è Sonya, l'amante del dottore

Sonya, 1928

Il destino del dottor Haustein è stato tragico. Friedel si suicidò, incapace di sopportare i continui tradimenti del marito; i frutti della “libertà erotica” si rivelarono troppo velenosi; Nel 1933, i nazisti saliti al potere tolsero lo studio del medico e lo mandarono in prigione, dove si suicidò assumendo cianuro.

L'eredità del medico ha ricevuto oggi una continuazione inaspettata. Gli scienziati microbiologici che ricercavano l'origine delle malattie trovarono nell'archivio di Zurigo l'opera fondamentale del medico, Die Frühgeschichte der Syphilis 1495-1498. Haustein ha ricercato le prime menzioni della malattia negli archivi di Germania e Svizzera. Dubitava della teoria allora prevalente secondo cui la malattia sarebbe stata portata in Europa dall'America dai membri della spedizione di Colombo. La ricerca del Dr. Haustein è ancora attuale.

Operazione, 1929

Uno dei visitatori del salone del dottor Haustein era un chirurgo e invitò Shad ad assistere a un'operazione di appendicectomia. L'atmosfera della sala operatoria catturò l'artista e quella stessa sera iniziò a disegnare gli schizzi per il futuro dipinto.

Conte St. Genois d'Anneaucourt, 1927

Frida Cornelio, 1928

Baronessa Vera Massilka, 1926

Autoritratto con modella, 1927, un dipinto iconico che appare sulle copertine di tutti gli album e cataloghi delle opere dell'artista.

Due amiche, 1930

Nudo, come senza di loro, ne scelse uno più dignitoso, 1929

I tedeschi, come sapete, sono un popolo preciso, per questo il titolo del dipinto non è “Nudo”, ma Nudo Completo (Halbakt)

Ritratto di un inglese (Roger Mone-Kyrle), 1926

Ritratto di una donna inglese (Lilian Kennard), 1926

Ritratto di un figlio

All'apice del suo successo, Christian Schad riceve la commissione per un ritratto di Papa Pio XI

Nel 1929 scoppiò una crisi, il sostegno finanziario di suo padre cessò e Shad praticamente smise di dipingere. Era necessario vivere di qualcosa e l'artista si assumeva qualsiasi opera. Un tempo ha lavorato anche come direttore commerciale del birrificio. Il matrimonio con Marcella si sciolse, continuarono a mantenere rapporti amichevoli, ma nel 1931 Marcella annegò mentre nuotava in mare.

Poco si sa della vita dell’artista negli anni successivi. Nel 1942, ricevette un ordine per i ritratti delle attrici Christina Zoderbaum e Louise Ulrich, e durante il lavoro incontrò la giovane attrice Betina Mittelstadt, che in seguito divenne sua moglie. Nel 1943 il suo studio a Berlino fu distrutto durante un bombardamento; sopravvissero solo i suoi primi lavori; Nello stesso anno suo padre muore e Shad rimane completamente senza fondi. Anche la loro casa di famiglia a Monaco viene distrutta da una bomba.

Per miracolo riesce a ricevere un ordine per una copia del dipinto di Grunewald "La Madonna di Stuppach", opera su cui finirà dopo la guerra.

Christian Schad, 1967

Christian Schad e Betina, 1978

Christian Schad morì nel 1982, visse una lunga vita, ma l'apice della sua creatività è indissolubilmente legato al turbinio culturale della Repubblica di Weimar, che si rivelò così di breve durata...