"Ny materialitet" som ett fenomen i tysk måleri och grafik: uppkomst, utveckling och funktioner. Maximilian Aleksandrovich Voloshin Ny materialitet i konsten
NY SUBSTANCE (tyska: Neue Sachlichkeit) - en riktning i det tyska livet på 1920-talet, som uppstod som en reaktion på ex-pressionismen med dess höga känslomässighet och är-samma-form-het.
Namnet gavs 1923 av G. Hart-lau-bom; 1925 organiserade han också en ettnamnsutställning i Kunst-hall-le (Mannheim). Artisterna av "New Substance" skapade inte en förening med ett speciellt program och du steg inte med samlingen -tiv-us-mi-for-appearance-mi. Riktning för bildandet av formationen i re-zul-ta-te na-ras-ta-niya av op-re-de-la-no style-le-voy ten-den-tion , från ve-chav- shay till mi-ni-ru-yum-i-byggnadshålen i samhället.
Första världskriget och dess fruktansvärda konsekvenser för Tyskland (återupprättandet av landet, den bittra känslan av -tsio-nal-no-go-uni-zhe-niya, ob-ni-scha-nie na-ro-yes , na-ra-ta-ta-soc-ci-al-nyh pro-ti-vo-tal ) ledde till en stämning av förtryckande lättja, en känsla av brist på framtidsutsikter och en brist på hopplöshet re-zul-tat-no -sti ansträngningar för att förbättra samhället. Vo-zob-la-da-la po-zi-tion från-re-shen-no-go, not-for-in-te-re-so-van-no-go studie av ok-ru- den önskade handling och objektiv beskrivning av dess yttringar. Den karaktäristiska stilen till höger framträdde i linjernas klarhet, en solid pro-ri-sov-ke kon-tura, ljusa lokala färger på blanka ytor. Känslomässig utan-cha-st-ness i processen av de-tal-no-go "om-to-li-ro-va-niya" på-blue-dae- mitt objekt har en soliditet, "materialitet" i bilden , även i sådan (ty- pic-nyh för denna till höger) genre, som ett porträtt, en sorts scen, en utsikt över en stad med en person mi fi-gu-ra-mi.
I vilken utsträckning involverade rörelsen av den "nya materialiteten" konstnärer med olika världsuppfattningar och es-te-tiska preferenser (inklusive den tidigare mas-te-ra da-da-iz-ma, ex-press-sio-ni-sty), ser du olika saker i den. Inom konsten den sk. ve-ristov (O. Dix, G. Gros, M. Beck-mann, K. Schad, R. Schlichter) pre-ob-la-da-li sa-ti-ri-che-ski trak- samma saker om stadsliv, port-re-you. En speciell grupp av so-sta-vi-li hu-dozh-ni-ki re-vo-luz. ori-en-ta-tions, som ägnar sin kreativitet åt bilden av livet för arbetarklassen, sociala samtal på lägre nivå (O. Nagel, K. Kollwitz, H. och L. Grundig, O. Griebel).
Presentera en mer samtida version av den "nya materialiteten", omlösning från ver-guy och avantgarde innovationer -tion, och socialt engagemang, ori-en-ti-ro-va-ly på den klassiska formen, på mottagandet av liv-i-pi-si hundra -rykh mas-te-rov. A. Kanoldt, G. Schrimpf, F. Lenk, K. Grossberg anslöt sig till denna gren. Mitt i tydliga linjer, noggrann modellering av volymer, genomskinliga skog-si-ro-wok av skapelsen var från-utomjordiska-dagen, ord-men-rivna-ut från tiden-så-dricka-för-livet, för- still-mor-you, about- times of people. Denna version av den "nya materialiteten" ligger nära den högra-le-ni-em ma-gi-che-sko-go realiz-ma, med den italienska meta-fi-zi- Che-skoy zhi-vo-pi- stämma. Med na-stu-p-le-ni-em na-ciz-ma, na-sa-zh-dav-she-go own es-te-ti-ku, lämnar "ny materialitet" scenen hu -pre-life .
Föreläsningens ämne: Västerländsk civilisation under 1900-talets första hälft. Konst och arkitektur. Del 2.
Kapitlet diskuterar anvisningarna - Ny materialitet, art déco, Bauhaus och sovjetisk konstruktivism .
Ny materialitet
Magisk realism är en konstnärlig metod där magiska element ingår i en realistisk bild av världen.
I sin moderna betydelse är termen mer beskrivande än exakt. Ursprungligen termen "magisk realism" användes av en tysk kritiker Franz Roch att beskriva en målning som föreställde förändrad verklighet.
Ursprunget till magisk realism
Grunderna i Latinamerika magisk realismär litteraturen, övertygelserna, tänkandet i förcolumbianska indiska civilisationer, såsom: Azteker, Maya, Chibcha, Inka. Redan i verk som har indiska rötter, vare sig de är skrivna av indianerna själva, oavsett om de är av spanska författare - historiker, präster, soldater, omedelbart efter erövring, alla komponenter i en underbar verklighet möts. De viktigaste författarna var:
Francisco de Avila- Peruansk präst som skrev på språket Quechua och samlade rikt etnografiskt material av folk Quechua.
Pedro Simon- utvecklare av myten om El Dorado.
Bartolome Arsans de Orsua i Vela- bosatt i den största metropolen i den gamla och nya världen - Potosi, som utvecklade en kombination av historia och myt.
Element av magisk realism (i litteraturen)
Fantasyelement kan vara internt konsekventa, men förklaras aldrig.
Karaktärerna accepterar och utmanar inte logiken i de magiska elementen.
Många sensoriska detaljer.
Symboler och bilder används ofta.
Människans känslor och sexualitet som sociala varelser beskrivs ofta i detalj.
Tidsflödet förvrängs så att det är cykliskt eller verkar vara frånvarande. En annan teknik är tidens kollaps, när nuet upprepas eller liknar det förflutna.
Orsak och verkan byter plats – till exempel kan en karaktär lida före tragiska händelser.
Händelser presenteras ur alternativa synvinklar, det vill säga berättarrösten växlar från tredje till första person, täta övergångar mellan olika karaktärers synvinklar och intern monolog om delade relationer och minnen.
Det förflutna kontrasterar mot nuet, det astrala mot det fysiska, karaktärerna mot varandra.
Det öppna slutet av verket gör det möjligt för läsaren att själv avgöra vad som var mer sanningsenligt och förenligt med världens struktur - fantastiskt eller vardagligt.
Magisk realism i konst
Magisk realism är en konststil som använder realism kombinerat med en uppenbar aberration av konstnärens vision när han skildrar vardagliga ämnen. Inom måleri är denna term ibland utbytbar med postexpressionism. År 1925 kritikern Franz Roch använde denna term för att beskriva målningen som markerade början på återkomsten till realism efter extravagans expressionister, som ändrade utseendet på föremål för att avslöja deras inre väsen. Enligt definition Rocha, annat viktigt Aspekter magisk realism i målning inkluderar:
Återgå till vardagliga föremål i motsats till det fantastiska
Överlagra framåtrörelse med en känsla av avstånd, i motsats till den expressionistiska tendensen att förkorta motivet
Användningen av miniatyrdetaljer även i mycket stora målningar, som stora landskap.
Konstnärer - representanter för magisk realism
Mikalojus Čiurlionis, Marc Chagall, George Grieux, Karel Willink, Peter Doig, Pedro Ipinha, Paul Cadmus, Alex Colville, Michael Parkes, George Tooker, Ivan Albright, Wim Schumacher, Philip Evergood, Andrew Wyeth, Rob Gonsalves, René Magritte, Stanley Spencer , Georg Schrimp.
Art Deco, alternativ: art deco, art deco, art deco (Fransk art déco lit. "dekorativ konst", från Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes - "International Exhibition of Modern Decorative and Industrial Arts" 1925 Paris)- en rörelse inom den dekorativa konsten under första hälften av 1900-talet, manifesterad i arkitektur, mode och måleri. Var en syntes modern Och nyklassicism. Särskiljande egenskaper - strikt mönster, etniska geometriska mönster, lyx, chica, dyra, moderna material(elfenben, krokodilskinn, aluminium, sällsynta träslag, silver). I USA, Nederländerna, Frankrike och några andra länder art déco gradvis utvecklats mot funktionalism.
Recension
En internationell utställning som hölls 1925 i Paris och kallades officiellt "Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes", gav liv åt termen "art déco". Denna utställning visade världens lyxvaror tillverkade i Frankrike, vilket bevisade att Paris förblev ett internationellt centrum för stil även efter Första världskriget. Konstnären belönades med en guldmedalj Vadim Meller för sin utformning av föreställningen på teatern "Berezil".
Själva riktningen art déco fanns redan före öppnandet av utställningen 1925 - det var en märkbar rörelse inom europeisk konst på 1920-talet. Den nådde amerikanska stränder först 1928, där den på 1930-talet förvandlades till Effektivisera Moderne - Amerikaniserad gren art déco, som har blivit kännetecknet för detta decennium.
Paris förblev stilens centrum art déco. Han förkroppsligade det i möbler Jacques-Emile Ruhlmann- den mest kända av tidens möbeldesigners och kanske den sista av den klassiska parisiska ebeniste(snickare). Dessutom typiska verk Jean-Jacques Rateau, produktion av företaget "Sue et Mare", skärmar Eileen Gray, smidda metallprodukter Edgar Brandt, metall och emalj schweiziska av judiskt ursprung Jean Dunant, glas av de stora Rene Lalique Och Maurice Marino, samt klockor och smycken Cartier.
Symbol Art déco inom dekorativ och brukskonst blev skulptur i brons och elfenben. Inspirerad av "Ryska årstider" av Diaghilev, konsten i Egypten och öst, såväl som tekniska landvinningar "maskinåldern", skapade franska och tyska mästare en unik stil inom små skulpturer på 1920-1930-talet, vilket höjde statusen för dekorativ skulptur till nivån "hög konst". Klassiska representanter Art déco i skulptur betraktas Dmitry Chiparus, Claire Jean Robert Colinet, Paul Philippe(Frankrike), Ferdinand Preiss, Otto Poertzel(Tyskland), Bruno Zach, J. Lorenzl(Österrike). Den största samlingen av brons- och elfenbensskulpturer i Ryssland tillhör Ryska huset art déco och har mer än 700 unika verk.
Fastän termin art déco uppstod 1925, var det inte vanligt förekommande förrän förändringen i attityd till denna era på 1960-talet. Mästare i stil art déco inte var en del av någon enskild gemenskap. Rörelsen övervägdes eklektisk, influerad av flera källor, Till exempel:
- "Wien secession" tidig period (Wiener Werkstätte); funktionell industridesign.
Primitiv konst från Afrika, Egypten och centralamerikanska indianer.
Forntida grekisk konst (period arkaisk) - den minst naturalistiska av alla.
- "Ryska årstider" av Sergei Diaghilev i Paris - skisser av kostymer och kulisser av verket Lev Bakst.
Fasettslipade, kristallina, fasade former kubism Och futurism.
Färgpalett Fauvism.
Strikta former nyklassicism: Boullée (Étienne-Louis Boullée) Och Schinkel, Karl Friedrich.
epok Jazz.
Växt- och djurmotiv och former; tropisk vegetation; ziggurater; kristaller; koloristisk svartvit skala av pianotangenter (den så kallade. "solskur").
Flexibla och atletiska former av kvinnliga idrottare, som det finns många av; skarpa vinklar av korta hårklippningar för representanter för klubblivet - klaffar ("flapper").
Teknologiska framsteg "Maskinålder"- som radioapparater och skyskrapor.
Mästare art décoälskade att använda dessa material, Hur aluminium, rostfritt stål, emalj, träinlägg, haj- och zebraskinn. Vi ser djärva applikationer sicksack och stegade former, breda och energiska kurvor(i motsats till mjukt flytande kurvor modern),chevronmotiv och pianotangenter. Några av dessa dekorativa motiv blev allestädes närvarande, till exempel nyckelmönstret, som fanns i designen av damskor, radiatorer och föreläsningssalar. Radio City Music Hall och skyskrapspira Chrysler byggnad. Interiörerna på biografer och oceanångare, som t.ex "Ile de France" Och "Normandie". Art déco var en lyxig stil, och man tror att detta lyx- psykologisk reaktion på askes och restriktioner under åren Första världskriget.
En stilriktning som utvecklades parallellt med art déco och nära den låg intill Effektivisera Moderne (namnet kommer från engelskan "streamline" - "flow line", en term från aerodynamiken som kännetecknar sådana externa former av maskiner och mekanismer som ger dem den bästa funktionaliteten och hastigheten när de rör sig eller flyger). I "Streamline Modern" vi finner ett ökande inflytande av industriell stämpling såväl som aerodynamisk teknik, som härstammar från utvecklingen av vetenskap och föremål för massproduktion, vilket leder till utseendet i verk av denna stil konturer av flygplan eller revolverkulor- de saker som de är så viktiga för effektiviserar. När designen av företagets första bil Chrysler sätta på massförsäljning "Chrysler Airflow" visade sig populärt 1933, formulär använder "effektivisera" började till och med användas till föremål som pennvässare eller kylskåp. I arkitektur Egenskaperna för denna stil är rundade hörn, används främst för byggnader vid vägkorsningar.
Vissa forskare tror art déco variant eller tidig form modernism.
Art déco försvann tyst efter massproduktionens uppgång, när den ansågs vara grym, klibbig och fusklyxig. Deprivation satte ett sista slut på denna stil Andra världskriget. I koloniala länder som Indien, art déco blev porten till modernism och försvann inte förrän på 1960-talet. Återupplivande av intresse för art déco på 1980-talet var förknippad med grafisk design och föreningar art déco med band i stil "film noir" och charmen med 30-talet. ledde till återanvändning inom smycken och mode.
Kända art déco-konstnärer och designers
Adolphe Mouron Cassandre (1901-1968) fransk. Adolphe Jean Marie Mouron Cassandre
Jean Dunant (1877-1942) fransman. Jean Dunand
Jean Dupas
Erte (Romain de Tirtoff)
Vadim Meller (1884-1962) rysk. Vadim Georgievich Meller
Alexandra Exter (1882-1949) ryska. Alexandra Alexandrovna Ekster (Grigorovich)
Sonia Delaunay (1885-1979)
Elaine Gray
Georg Jensen
René Lalique (1860-1945) fransman. René Jules Lalique
Georges Barbier (1882-1932) (George Barbier)
Jules Leleu
Tamara de Lempicka (1898-1980) polska. Tamara Łempicka
Paul Manship
Émile-Jacques Ruhlmann
"Sue et Mare"
Walter Dorwin Teague
Carl Paul Jennewein
Georgy Dmitrievich Lavrov (1895-1991) George Lavroff
Kända art déco-arkitekter
Cormier, Ernest (Ernest Cormier)
Hood, Raymond (Raymond Hood)
William van Alen
Rowland, Wirt (Wirt C. Rowland)
Sunlight, Joseph (Joseph Sunlight)
Antonio, Pablo (Pablo Antonio)
Walker, Ralph (Ralph Walker)
Kahn, Ely Jacques Kahn
Bauhaus (tyska: Bauhaus, Hochschule für Bau und Gestaltung - Higher School of Construction and Artistic Design, eller Staatliches Bauhaus)- en läroanstalt som funnits i Tyskland från 1919 till 1933, samt en konstnärlig förening som uppstått inom ramen för denna institution, och en motsvarande inriktning inom arkitekturen.
I skolan utfärdas "Manifest" 1919år utsågs arkitekturen till den ledande riktningen inom design, principerna om jämlikhet mellan konst och konst utropades och idéer för att förbättra kvaliteten på industriprodukter deklarerades. Rörelsens grundare såg målet att tillfredsställa befolkningens massbehov och försökte göra industrivaror vackra, prisvärda och så bekväma som möjligt.
Berättelse
Bauhausskolan (Statens Bauhaus) bildades i Weimar den 25 april 1919 som ett resultat av enandet Saxon-Weimar University of Fine Arts och baserat Henri Van de Velde från Saxon-Weimar School of Applied Arts. Att vara initiativtagare till skapandet av en ny etablering, till chefsposten A. Van de Velde föreslog kandidatur för en ung berlinsk arkitekt Walter Gropius.
Lärare och elever i tiden Weimarrepubliken förenade vänstersyn och innovativa synsätt på konst. Gropius ansåg att i den nya eran borde arkitekturen vara strikt funktionell, ekonomisk och inriktad på massproduktionsteknik. Skolan gav ut en tidning med samma namn (Bauhaus) och serier Bauhaus-böcker (Bauhausbücher).
1925, när myndigheterna i Weimar slutade att subventionera skolan, upphörde institutionen att existera i Weimar och överfördes till Dessau.
Skoldirektören från 1919 till 1928 var Gropius, sedan byttes han ut Hannes Meyer, och 1930 tog han en ledande position Ludwig Mies van der Rohe. Förutom dem ägnade sig åt undervisning många ledande arkitekter Och avantgardekonstnärer, särskilt I. Itten, L. Moholy-Nagy, P. Klee, W. Kandinsky, L. Feininger, O. Schlemmer, G. Marx, J. Schmidt, G. Stölzl.
1933 avskaffades skolan av den nazistiska regeringen (nazisterna motsatte sig den också på 1920-talet Bauhaus, betraktar skolan som en grogrund kommunism).
Bauhaus lärare
Vid olika tidpunkter undervisade följande konstnärer vid utbildningsinstitutionen:
Herbert Bayer, Josef Albers, Naum Gabo, Walter Gropius, Johannes Itten, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Laszlo Moholy-Nagy, Piet Mondrian, Ludwig Mies van der Rohe, Lionel Feininger, Oskar Schlemmer.
Video på engelska om Bauhaus, även om du inte kan språket är allt klart där - design av saker:
För den intresserade finns det fler filmer på YouTube.
Bauhaus publikationer
"Staatliches Bauhaus Weimar. 1919-23", (1923); serier "Bauhausbücher" (sedan 1925); tidskrift Bauhaus. Zeitschrift für Bau und Gestaltung (sedan 1926).
Konstruktivism - Sovjet avantgarde metod (stil, riktning) inom bildkonst, arkitektur, fotografi och dekorativ och tillämpad konst, utvecklad 1920 - tidigt. 1930-talet.
Det kännetecknas av rigor, geometri, lakoniska former och monolitiskt utseende. 1924 skapades den officiella kreativa organisationen av konstruktivister - GETING, vars företrädare utvecklade den s.k funktionell designmetod
, baserad på en vetenskaplig analys av de funktionella egenskaperna hos byggnader, strukturer och stadsplaneringskomplex. Karakteristisk monument av konstruktivismen- köksfabriker, arbetspalats, arbetarklubbar, kommunala hus av den angivna tiden. 
Det är kreativt världsbild vad man brukar kalla konstruktivism inom byggnadsstilens gränser, uppträdde något tidigare än direkt i arkitekturen. Konstruktivism, såväl som funktionalism Med rationalism, brukar kallas konceptet "modern arkitektur".
Under denna period fanns det också en litterär rörelse i Sovjetunionen konstruktivister.
Konstruktivismens uppkomst
Konstruktivism anses vara ett ryskt (sovjetiskt) fenomen som uppstod efter Oktoberrevolutionen som en av riktningarna för ny, avantgardistisk, proletär konst, även om den, liksom alla företeelser inom konsten, inte är begränsad till ett land. Således var härolden av denna stil i arkitekturen också Eiffeltornet, kombinera element som modern, alltså konstruktivism. Som jag skrev V. V. Majakovskij i sin essä om fransk måleri: "För första gången, inte från Frankrike, utan från Ryssland, kom ett nytt konstord - konstruktivism ..."
Hur uppstod denna i grunden nya riktning?
I villkoren för det oupphörliga sökandet efter nya former, vilket innebar att allting glömdes "gammal", proklamerade innovatörerna avslaget på "konst för konstens skull". Från och med nu konsten skulle tjäna... produktionen.
De flesta som sedan gick med i rörelsen konstruktivister, var ideologerna för de sk "produktionskonst" . De kallade på artisterna "skapa medvetet användbara saker" och drömde om en ny harmonisk person som använder bekväma saker och bor i en bekväm stad.
Alltså, en av teoretikerna "produktionskonst" B. Arvatov skrev det "...De kommer inte att avbilda en vacker kropp, utan kommer att utbilda en verklig, levande, harmonisk person; inte måla en skog, utan odla parker och trädgårdar; inte dekorera väggarna med målningar, utan måla dessa väggar..."
"Produktiv konst" har inte blivit mer än ett begrepp, dock termen konstruktivism yttrades just av teoretiker i denna riktning (i deras tal och broschyrer möttes orden också ständigt av "design", "konstruktiv", "rymddesign").
Utöver den ovan nämnda riktningen mot att bli konstruktivism haft en enorm inverkan futurism, suprematism, kubism, purism och andra innovativa rörelser på 1910-talet, men den socialt bestämda grunden var just "produktionskonst" med sin direkta vädjan till 1920-talets nuvarande ryska realiteter.
Funktionell metod
Funktionell metod– det finns ett teoretiskt koncept mogen konstruktivism (1926-1928), baserad på en vetenskaplig analys av funktionsegenskaperna hos byggnader, strukturer, stadsplaneringskomplex. Sålunda betraktades ideologisk-konstnärliga och utilitaristiskt-praktiska uppgifter tillsammans. Varje funktion motsvarar den mest rationella rymdplaneringsstrukturen ( form följer funktion). På denna våg är det en kamp konstruktivister mot den stiliserade inställningen till konstruktivism. Med andra ord ledare GETING kämpade mot förvandling konstruktivism från metod till stil, till yttre imitation, utan att förstå essensen. Därmed blev arkitekten attackerad G. Barkhin, som skapade den berömda Hus "Izvestia".
Under samma år inträffade en vurm konstruktivister idéer Le Corbusier: författaren själv kom till Ryssland, där han fruktbart kommunicerade och samarbetade med ledare GETING.
I miljön GETING ett antal lovande arkitekter, Till exempel bröderna Golosov, I. Leonidov, M. Barshch, V. Vladimirov.
Konstruktivister delta aktivt i designa industribyggnader, köksfabriker, kulturhus, klubbar, bostadshus.
En speciell figur i historien konstruktivism anses vara favoritstudent A. Vesnina - Ivan Leonidov, kommer från en bondefamilj, som började sin kreativa resa som ikonmålarstudent. Hans till stor del utopiska, framtidsinriktade projekt användes inte under de svåra åren. Jag själv Le Corbusier kallas Leonidov "den ryska konstruktivismens poet och hopp". Arbetar Leonidova och nu beundrar de sina repliker - de är otroligt, obegripligt moderna.
Konstruktivism inom design och fotografi
Konstruktivism- en riktning som främst är förknippad med arkitektur, men en sådan vision skulle vara ensidig och till och med extremt felaktig, eftersom, innan den blev en arkitektonisk metod, konstruktivism funnits inom design, tryckning och konstnärlig kreativitet. Konstruktivism V foton markant geometrisering av kompositionen, fotografering från svindlande vinklar med en kraftig minskning av volymen. Sådana experiment utfördes i synnerhet av Alexander Rodchenko.
I grafisk typer av kreativitet konstruktivism kännetecknas av användningen av fotomontage istället för handritade illustrationer, extrem geometrisering och underordning av kompositionen till rektangulära rytmer. Var stabil färger: svart, röd, vit, grå med tillägg av blått och gult. I området mode det fanns också vissa konstruktivistisk trender - på vågen av globala passion för raka linjer inom modedesign, skapade sovjetiska modedesigners från dessa år eftertryckligt geometriska former.
Bland mode designers står ut Varvara Stepanova, som sedan 1924, tillsammans med Lyubov Popova utvecklat tygdesigner för 1:a calicotryckeri i Moskva, var professor Textilfakulteten vid VKHUTEMAS, designade modeller av sport- och fritidskläder.
Alexander Rodchenko och Varvara Stepanova
"New Materiality" / Neue Sachlichkeit är en rörelse inom tysk konst som uppstod på 1920-talet och varade tills nazisterna kom till makten 1933.
Den "nya materialiteten" visades initialt inom bildkonsten och spred snabbt sitt inflytande till litteratur, musik, film och arkitektur.
Experter tror att den "nya materialiteten" i Tyskland har uttalade regionala särdrag, och ändå visar alla verk av denna rörelse överdrivet tydliga, noggrant detaljerade former, och karaktärerna verkar på något sätt alienerade och frusna.
Eftersom vi inte är specialister i denna fråga, föreslår vi helt enkelt att bekanta oss med tre Erfurt-byggnader, som konsthistoriker klassificerar som arkitekturen för "ny materialitet".
Åren 1928-1929 Arkitekten Theo Kellner byggde Erfurts första rambyggnad av armerad betong för Allgemeine Ortskrankenkasse (Augustinerstrasse 38).
Den mycket enkla byggnaden, kantad av sandsten, skulle vara helt oansenlig om det inte vore för dess ovanligt formade portal och storformats höga reliefer som flankerar entrédörren på båda sidor.
Allt skulpturarbete utfördes av Erfurtskulptören Hans Walter.
Nästa byggnad, uppförd för en filial av den centraltyska landbanken, dök upp på den största shoppinggatan i Erfurt 1930 (Anger, 25-26, arkitekterna Johannes Klass och Ludwig Boege).
Fasadens övre våningar är horisontellt åtskilda av fönsterband och i de två nedre våningarna framträder optiska vertikaler i form av två friser med höga reliefer av samme skulptör Hans Walter.
Figurerna på den vänstra frisen symboliserar extravagans.
Följaktligen, på höger sida finns bilder av sparsamhet.
Dessa höga lättnader ledde en gång till en skandal inom staden. Konservativa och högerorienterade kretsar i Erfurt kallade denna konst "degenererad" och krävde att "skamligheten" skulle tas bort från stadens huvudgata.
Den tredje, kanske den mest imponerande byggnaden, byggd 1934-35. för Erfurt Sparbank, ligger på det centrala medeltida torget i staden Fischmarkt / Fiskmarknaden.
Arkitekten Johannes Klass stod inför en mycket svår uppgift. Å ena sidan skulle den nybyggda sparbanken skapa en harmonisk ensemble med det nygotiska rådhuset från slutet av 1800-talet, som den ligger tätt intill. Å andra sidan borde byggnaden av glas och armerad betong inte ha varit i dissonans med de medeltida husen som stod längs torgets omkrets.
Det måste sägas att arkitekten klarade denna svåra uppgift ganska bra. Mellan Rådhuset och sparbankens huvudbyggnad placerade han en låg volym som optiskt kopplade samman de båda byggnaderna.
Det enda fönstret i trappan ekar de vertikala linjerna i det nygotiska rådhuset.
Höga reliefer med stjärntecken ramar in fönstret nerifrån och upp.
Sparbankens släta, nu monokromatiska fasad täcktes ursprungligen med väggmålningar av Münchenkonstnären Luise Klempt.
Tyvärr har dessa väggfresker inte överlevt.
Nästan på hörnet i botten av byggnaden finns en hög relief.
På motsatt sida finns originalbrevlådan kvar.
Den överhängande övre delen vilar på pilastrar, vars "huvudstäder" är stenskulpturer gjorda av samme Erfurtskulptör Hans Walter.
Skulpturella bilder är utformade för att personifiera mänskliga laster och svagheter, såsom frosseri, koketteri, lättja, dumhet och girighet.
Det måste sägas att dessa figurer gör ett märkligt och samtidigt starkt intryck. Å ena sidan verkar de overkliga och på något sätt fristående, å andra sidan är alla karaktärer väldigt specifika och barnsligt enkla.
Men, vi upprepar, vi är inte experter inom konstområdet och vågar inte diskutera ämnet "Vad är bra och vad som är dåligt." Vi ville helt enkelt visa den "nya materialiteten" i Erfurtmodellen och uttrycka våra rent subjektiva känslor utifrån det vi såg.
Tysk kommunistisk konstnär: målningar från 1920-talet
Georg Scholz (1890-1945). Arbeit schändet. 1920/1921. Kunsthalle, Karlsruhe / Georg Scholz. Arbeit schändet. 1920/1921. Zeitungsträger oder Arbeit schändet - Pappersleverans eller arbetsskam. 30,5 x 49,3 cm. Konsthall Karlsruhe. via, via
I den engelsktalande världen blev termen känd med utställningen "American Realists and Magic Realists" som hölls 1943 på Museum of Modern Art i New York. Museichefen Alfred H. Barr skrev att termen "ibland tillämpades på verk av konstnärer som försökte, med hjälp av exakta realistiska tekniker, göra sina otroliga, spöklika och fantastiska visioner trovärdiga och övertygande."
3.
Georg Scholz. tysk stad på natten. 1923. Verk från en privat samling på Basel Art Museum / Georg Scholz. Deutsche Kleinstadt bei Nacht, 1923. Öl auf Karton. Kunstmuseum Basel, Leihgabe aus Privatbesitz Inventar Nr. G 2010.11. via
Namnet gavs av Gustav Hartlub, chef för Kunsthalle i Mannheim, i samband med en utställning som hölls där 1925 och syftade på konstnärer som förblev trogna en positiv, objektiv verklighet. Denna rörelse kännetecknades inte av stilistisk homogenitet; den allmänna ståndpunkten var viljan att visa ondskan i detalj i syfte att skapa skarp social satir. Framstående representanter för den ”nya materialiteten” var Otto Dix (1891-1969), Georg Gross (1893-1959), Konrad Felixmüller (1897-1977), Christian Schad (1894-1982), Rudolf Schlichtsr (1890-1955). På 1930-talet, med nazismens spridning, upphörde denna rörelse att existera.
5.
Georg Scholz. Sittande med gipsbyst, 1927 / Georg Scholz. Naken kvinna med gipsbyst. 1927. Staatliche Kunsthalle Karlsruhe. Utställningen "", Guggenheimmuseet. via
Georg Scholz föddes i Wolfenbüttel. Han fick sin konstnärliga utbildning vid Karlsruhes konstakademi. Efter examen från akademin fortsatte han sina studier i Berlin. Under första världskriget, från 1915 till 1918, tjänstgjorde han i armén.
1925 fick Georg Scholz en professur vid Statens konstakademi i Karlsruhe. 1926 började Scholz samarbeta med den satiriska tidskriften Simplicissimus. 1928 besökte han Paris.
6.
Georg Scholz (1890-1945). Självporträtt, 1926. Kunsthalle, Karlsruhe / Georg Scholz (1890-1945). Självporträtt framför Litfaß-kolonnen, 1926.
Efter att Hitler och nationalsocialisterna kom till makten i Tyskland 1933 förlorade Scholz snabbt jobbet som lärare. Hans verk ansågs vara degenererad konst, och 1937, som en del av en kampanj för att "rena" den tyska kulturen, konfiskerades hans verk. 1939 förbjöds konstnären att måla.
1945 utsåg franska trupper Georg Scholz till borgmästare
Ny materialitet (Neue Sachlichkeit) är en konstnärlig rörelse som uppstod i Weimar Tyskland på 20-talet. Man tror att denna rörelse förenade litteraturens och konstens fenomen som ersatte expressionismen och blev dess demonstrativa motsats.
Namnet ny materialitet myntades 1925 av chefen för Mannheims konstmuseum, Gustav Hartlaub, i ett försök att fastställa unga konstnärers avgång från avantgardet och deras omtanke om realistiska traditioner. En hel kohort konstnärer anslöt sig till Neue Sachlichkeit, men det var målningen av Christian Schad som blev den nya rörelsens signum.
Porträtt av Marcella, konstnärens hustru, 1926
Christian Schad var en förmögenhetsälskling, hans far var en förmögen advokat, och under den första halvan av sitt liv upplevde Christian inga ekonomiska svårigheter. När kriget började och hans kamrater, i ett anfall av patriotism, gick till fronten tillsammans, låtsades Christian (uppenbarligen med hjälp av sin fars vänner) hjärtsjukdom och fick en vit biljett. Trots kriget fortsatte konstnärslivet i Tyskland och 1915 ställde Christian Schad ut sina verk för första gången vid Münchensecessionen. Samtidigt krävde krigets Moloch fler och fler offer, Tyskland led monstruösa förluster i Flandern och nära Verdun, och de började kalla på alla. Christian bestämde sig för att inte ta risker och åkte till Zürich.
I Zürich blev Christian Schad först intresserad av träsnitt...
Före baletten, 1915
Självporträtt
Sedan successivt futurism, kubism, expressionism...
Porträtt av Walter Zerner, 1916
Och i finalen gick han med i Dada-rörelsen.
Efter krigets slut började den mest intressanta perioden i Christian Schads verk, tillsammans med andra förlorade realismens söner, att återvända till rötterna.
Anna Gabbioneta, 1927
Joseph Matthias Hauer, kompositör och musikteoretiker, skapade oberoende av Schoenberg ett 12-tons kompositionssystem (dodekafoni)
Ludwig Baumer, 1927
Maria och Annunziata, skådespelerskor från Teatro Rossini i Neapel, 1923
Lotte, 1927-1928
Dr Hans Hausstein
Dr. Haustein var en berömd hudläkare, en av de bästa specialisterna inom behandling av syfilis, men han blev ännu mer känd tack vare den salong som han organiserade med sin fru Friedel. Salongen blev centrum för Berlins pulserande liv på 20-talet. Salongen besöktes av de bästa människorna i staden för att smaka på frukterna av "den högsta intellektuella och erotiska friheten." Gästerna på salongen var många kändisar, i synnerhet författaren Lion Feuchtwanger och folkkommissarien Anatoly Lunacharsky.
"Smoking shadow" på väggen, det här är Sonya, doktorns älskarinna
Sonya, 1928
Dr. Haussteins öde var tragiskt. Friedel begick självmord, oförmögen att bära sin mans ständiga svek, frukterna av "erotisk frihet" visade sig vara för giftiga. 1933 tog nazisterna som kom till makten läkarens praktik och skickade honom till fängelse, där han begick självmord genom att ta cyanid.
Läkararvet har fått en oväntad fortsättning idag. Mikrobiologiska forskare undersöker ursprunget till sjukdomar som finns i Zürichs arkiv doktorns grundläggande arbete, Die Frühgeschichte der Syphilis 1495-1498. Hausstein undersökte de första omnämnandena av sjukdomen i arkiven i Tyskland och Schweiz. Han tvivlade på den då rådande teorin att sjukdomen fördes till Europa från Amerika av medlemmar av Columbus expedition. Dr. Haussteins forskning är fortfarande relevant idag.
Operation, 1929
En av besökarna på Dr Hausteins salong var kirurg och bjöd in Shad att observera en blindtarmsoperation. Atmosfären på operationssalen fångade konstnären och samma kväll började han rita skisser till den framtida målningen.
Greve St. Genois d'Anneaucourt, 1927
Frida Cornelius, 1928
Baronessan Vera Massilka, 1926
Självporträtt med en modell, 1927, en ikonisk målning som finns på omslagen till alla album och kataloger av konstnärens verk.
Två vänner, 1930
Naken, som utan dem, valde en mer anständig, 1929
Tyskarna är som ni vet exakta människor, så titeln på målningen är inte "Naken", utan Full-Naken (Halbakt)
Porträtt av en engelsman (Roger Mone-Kyrle), 1926
Porträtt av en engelsk kvinna (Lilian Kennard), 1926
Porträtt av en son
På höjden av sin framgång får Christian Schad ett uppdrag för ett porträtt av påven Pius XI
1929 bröt en kris ut, det ekonomiska stödet från hans far upphörde och Shad slutade praktiskt taget måla. Det var nödvändigt att leva på något och konstnären tog på sig vilket arbete som helst. En gång arbetade han till och med som kommersiell chef för bryggeriet. Äktenskapet med Marcella bröts upp, de fortsatte att upprätthålla vänskapliga relationer, men 1931 drunknade Marcella när hon badade i havet.
Lite är känt om konstnärens liv under de följande åren. 1942 fick han en beställning på porträtt av skådespelerskorna Christina Zoderbaum och Louise Ulrich, och under arbetets gång träffade han den unga skådespelerskan Betina Mittelstadt, som senare blev hans hustru. 1943 förstördes hans ateljé i Berlin under ett bombdåd endast hans tidiga verk överlevde. Samma år dör hans far och Shad lämnas helt utan medel, även deras familjehem i München förstörs av en bomb.
Genom något mirakel lyckas han få en beställning på en kopia av Grunewalds målning "The Stuppach Madonna", ett arbete som han ska avsluta efter kriget.
Christian Schad, 1967
Christian Schad och Betina, 1978
Christian Schad dog 1982, han levde ett långt liv, men toppen av hans kreativitet är oupplösligt kopplad till den kulturella virvelvinden i Weimarrepubliken, som visade sig vara så kortlivad...
