Forntida grekiska konstnärer och deras målningar. Målningar med karaktärer från antikens grekiska och romerska mytologi

Den kretensisk-mykenska kulturen, i kombination med den doriska geometriska stilen, fungerade som grunden för uppkomsten och utvecklingen av det antika Greklands konst.

Den antika grekiska kulturen, med dess demokrati och humanistiska ideal, bildades inom ramen för folkets – demos – kamp mot aristokratin. I de flesta grekiska stadsstater etablerades republikanskt styre, endast i Sparta och några andra centra kom aristokratin till makten, men även här var det inte monarkin som rådde utan den oligarkiska republiken. Grekernas speciella världsbild, uppfostrad i sådana traditioner, återspeglades i konsten. Objektet för bilderna av konstnärer och skulptörer blev en fri, stark och modig medborgare.

Under perioden från 700- till 600-talen. före Kristus e., kallad den arkaiska eran, var folkets kamp för sina rättigheter ännu inte avslutad. I början av 600-talet. före Kristus e. Det inre slaveriet (böndernas skuldslaveri) avskaffades i Grekland. Från och med då blev endast tillfångatagna utlänningar slavar. Nästan alla delar av den grekiska befolkningen deltog aktivt i politiska strider. Kultur och konst utvecklades snabbt: filosofi, poesi, arkitektur, skulptur och måleri.

Liksom de kretensiska-mykenska mästarna, skildrade konstnärer från den arkaiska eran ofta scener av sporttävlingar och spel med en tjur. Men deras verk kännetecknades inte av dynamiken och de nyckfulla linjerna som är karakteristiska för den egeiska konsten, utan drogs mot formstabilitet, symmetri och noggrannhet i att förmedla mänskliga proportioner.

Stafflimålning fanns ännu inte vid den tiden, den ersattes av målningar på keramiska kärl. Konstnärer skildrade kompositioner där vardagliga, mytologiska och stridsmotiv flätades samman. På många antika grekiska vaser kan du se scener av fester, strider och sporttävlingar. Ofta använde vasmålare mytologiska berättelser om vinguden Dionysos och Herkules bedrifter för sina skapelser. Det stora kraterkärlet (används för att blanda vin med vatten), kallat av arkeologer "François Vase", skildrar i detalj historien om den legendariska hjälten från det trojanska kriget, Achilles.

Under loppet av två århundraden förändrades stilen att måla på vaser. Under den tidiga arkaiska perioden (600-talet f.Kr.) dominerade den orientaliserande stilen, som bildades under inflytande av konsten i det antika Egypten och Syrien. Det var från dessa länder som griparna, bevingade lejon och andra fantastiska djur avbildade på arkaiska kärl kom. Det fria utrymmet som inte ockuperades av monsterfigurerna var fyllt med dekorativa mönster i form av bisarra sammanflätade spiraler - forskare kallar detta sätt "rädsla för tomrummet". Sådana vaser, som påminner om en ljus mönstrad matta, skapades på öarna Delos, Rhodos och Kreta.

Gradvis ersattes den orientaliserande stilen av stilen med svarta figurer, vars födelseplats var Attika. Konstnärer applicerade svarta silhuetter på den rödgula bakgrunden av bakade lerkärl och täckte dem med lack. Hemligheten med tekniken för att skapa sådana målningar har ännu inte lösts. Det finns en legend att den här stilen av misstag uppfanns av en tjej genom att spåra skuggan som hennes älskades figur kastade på väggen. Namnen på mästarna av svartfigurmålningar som levde på 600-talet har bevarats. före Kristus e. är vasmålaren Exekius och en av skaparna av "François-vasen" Clytius.

Ett typiskt exempel på svartfigurstilen är en amfora målad av Exekius på en intrig från Iliaden. Den antike grekiske mästaren avbildade Akilles och Ajax som spelar tärning. Det mytologiska motivet får betydelsen av en vardagsscen: hjältar, som tar en paus från militära bedrifter, fängslas av ett vanligt brädspel.

Med tiden börjar vardagliga teman i verk av antika grekiska konstnärer att uppta huvudplatsen. Som ett resultat av detta förändras också det konstnärliga språket och blir mer realistiskt. Så uppstår rödfigursstilen, vars huvudsakliga skillnad från svartfigurstilen är att bakgrunden blir svart och figurerna blir röda. De tappar sina siluettegenskaper och blir mer plastiga och uttrycksfulla.

En av de mest betydande mästarna i stilen med röda figurer var den som levde i slutet av 600-talet. före Kristus e. vasmålare Euphronius, vars flera verk förvaras i Eremitaget. Det märkliga han skapade ca. 500 f.Kr e. en vas med en överraskande poetisk bild av en man, en ungdom och en pojke som beundrar en flygande svala.

Även om de grekiska arkaiska målningarna är balanserade och ordnade, återspeglade de den ljusa och glada attityden hos deras skapare.

Grekiska klassiker

Den klassiska konsten i det antika Grekland baserades på den grekiska arkaikens traditioner, så i verken av mästarna från den nya perioden, tillsammans med deras realistiska övertalningsförmåga och levande spontanitet, är särdrag av rationalitet och ordning märkbara.

I mitten av 400-talet. före Kristus e. Grekland nådde sitt största välstånd inom ekonomi och politik. En stor roll spelades av den briljanta segern för de förenade grekiska städerna, ledda av Aten, över det starka och mäktiga Persien. Trots det faktum att de persiska trupperna överträffade fiendens armé många gånger, lyckades Grekland besegra fienden i det avgörande slaget vid Marathon, och senare i sjöslaget vid Salamis.

Aten var också det viktigaste kulturella centret på den tiden. Den sociala strukturen i denna stadsstat var demokratisk: hela dess manliga befolkning åtnjöt rösträtt (med undantag för slavar - utländska krigsfångar). Varje fri medborgare kunde väljas till vilken som helst, även den högsta, regeringsposten. Kvinnor och slavar, bland vilka det fanns utbildade människor (läkare och lärare), hade inte medborgerliga rättigheter.

Många invånare i Aten var hantverkare och, med sina egna verkstäder, fick de också löner från staten, arbetade som målare, skulptörer, vävare, murare, myntare, guldsmeder, garvare, gruvarbetare etc. Inte bara slavar, utan också alla fria medborgare arbetade Grekland, inte anser att det är förödmjukande (till skillnad från romarna). Särskilt respekterades representanter för de konstnärliga yrkena.

Greklands konst på 500-talet. före Kristus e. nått sin höjdpunkt. Alla känner till namnen på de stora dramatikerna - Sofokles, Aiskylos, Euripides och Aristofanes. Grekiska skulptörer skapade sina skapelser, bland vilka var de berömda Myron, Phidias, Scopas, Lysippos, Polykleitos och Praxiteles.

Måleriet blomstrade, men tyvärr har väldigt få av dess monument överlevt, även om vi vet att grekerna värderade och vördade sina konstnärer, inklusive Apollodorus, Zeuxis, Polygnotus, Parrhasius, Apelles och andra. Det är känt att Polygnotus målade på väggarna offentligt. byggnader. Hans fresker avbildade episoder från grekiska myter och legender. Apollodorus och Zeuxis ägnade sig åt stafflimålning. Målningarna de skapade dekorerade stadsbornas hem eller förvarades i speciella lokaler - pinakotheks. Samtida beundrade målarnas förmåga att måla realistiskt och övertygande från livet och subtilt förmedla sinnesstämningen hos sina modeller. Redan i dessa avlägsna tider visste konstnärer hur man skickligt applicerar ljus- och skuggeffekter, använder illusionism och uppnår absolut likhet med bildens motiv. Gamla källor säger att Zeuxis målade ett druvklase så autentiskt att fåglar försökte picka på det.

En dag gjorde Parrhasius ett spratt med Zeuxis: den senare försökte dra tillbaka ridån som avbildas i Parrhasius målning.

Målningsobjektet, liksom skulptur, var en man, och ibland hans trogna följeslagare, en häst. Grekiska konstnärer hade ännu inte lärt sig att förmedla en persons individuella karaktärsdrag, men de visste hur de skulle skildra känslomässiga upplevelser och presentera generaliserade mänskliga typer i sina verk. Beskrivningar av Timomakhs målning "Medea" har nått oss, som talar om målarens konst, som på ett övertygande sätt kunde visa hur känslan av kärlek och medlidande för barn kämpar med svartsjuka och ilska i sin hjältinnas själ.

I strävan efter äkthet i skildringen av naturen försökte konstnärer från den klassiska eran samtidigt reflektera sublim skönhet i sina verk. Källor som har nått oss säger att en målare, som arbetade på bilden av Helen den vackra, bjöd in fem vackra flickor som modeller, eftersom var och en av dem individuellt inte var perfekt för honom.

Exempel på grekiskt klassiskt måleri som har kommit ner till oss presenteras främst på vaser. Om vasmålare under den arkaiska eran försökte säkerställa att målningen motsvarade formen på kärlet, brydde sig mästarna mindre om detta under den efterföljande perioden och överförde ofta kompositioner skapade av kända konstnärer till vaser.

Makedoniens uppkomst i slutet av 300-talet. före Kristus e. markerade början på upplösningen av den grekiska demokratin. Alla fria stater i Grekland kom under kontroll av den makedonske kungen Filip II. År 336 f.Kr. e. hans son Alexander blev kung. Efter att ha besegrats 334 f.Kr. e. Perser, fortsatte han sin segerrika marsch österut och erövrade fler och fler städer. På 10 år skapade Alexander den store en enorm monarki som inte hade någon like i världen. Efter hans död upplöstes staten i separata stater. De styrande av dem var Alexanders militära ledare - Diadochi (efterträdare). Från detta ögonblick började den hellenistiska eran. Denna period kännetecknades av en kombination av grekiska och österländska kulturer. Hellenistisk konst fanns i delstaterna Diadochi, bildad i Egypten, Syrien och Mindre Asien.

Myterna om det antika Grekland är spännande äventyr av gudar, hjältar och onda varelser. De är intressanta på alla sätt.

Det här är underhållning värre än storfilmer i Hollywood. Och möjligheten att förstå den helt andra världsbilden hos människor från förkristen civilisation.

Vi känner till myter inte bara tack vare antika författare.

Konstnärer som levde före vår tideräkning skapade också aktivt fresker med mytologiska ämnen. Och några av dem har överlevt till denna dag.

Men i nästan 1,5 tusen år försvann myter från konsten.

De återkom i måleriet först i . På 1400-talet började man gräva upp skulpturer från romarrikets tid (kopior av verk av antika grekiska mästare) i Rom. Intresset för det antika Grekland började växa. Det blev på modet och sedan obligatoriskt att läsa antika författare.

Och redan på 1500- och 1600-talen var myter ett av de mest populära ämnena inom måleriet.

Mytologiska målningar för den moderna betraktaren

När du är på ett museum är det osannolikt att du kommer att dröja länge framför målningar med mytologiska ämnen. Av en enkel anledning.

Vi är lite bekanta med myterna om det antika Grekland.

Ja, vi känner till Hercules. Har du hört talas om Perseus och Andromeda? Och låt oss nämna ett par gamla gudar som Zeus och Athena.

Men vem kan nu skryta med att de har läst åtminstone Homeros Odyssey? Jag läste den själv först när jag var 30 år.

Och om du inte förstår handlingen i bilden blir det svårt att njuta av den. Eftersom en barriär kommer att uppstå i form av förvirring, "Vilka är alla dessa människor?"

Men om handlingen är tydlig, avslöjas bildens pittoreska drag omedelbart inför våra klarögda ögon.

Denna artikel är en liten samling mytologiska målningar.

Jag hjälper dig att först förstå deras hjältar och symboler. Och sedan kommer vi att njuta av alla fördelarna med dessa mästerverk tillsammans.

Botticelli var den förste i den europeiska måleriets historia (efter de gamla grekerna och romarna) som avbildade mytologiska hjältar.

Botticellis mytologiska målningar kallas ibland föga smickrande för bildserier. Hjältarna står på rad. De interagerar inte med varandra. Allt som återstår är att lägga till pratbubblor.

Men det var Botticelli som var den förste, 1,5 tusen år senare, att avbilda myter. Så han kan.

Dessutom hindrar inte detta arrangemang i rad att samma "vår" av Botticelli är en av de vackraste målningarna i världen.

"Våren" är också en av de mest mystiska målningarna. Det finns många tolkningar av det. Jag valde den som personligen verkar mest rimlig för mig. Och hon kompletterade det med sina egna tankar.

2. Tizian. Bacchus och Ariadne

Efter Botticelli skildrade många konstnärer myter under renässansen. Men den mest produktiva var Tizian.

Hans myter är helt annorlunda. Det här är redan specifika berättelser, som "Mötet mellan Bacchus och Andromeda på ön Naxos."

Dessa är också häftiga rörelser, som vingudens språng från en vagn till fötterna på en skönhet. Det är känslor som uttrycks i poser, som Andromedas förvåning och rädsla. Och även ett realistiskt landskap, som är bakgrunden för hjältarna.

3. Rubens. Perseus och Andromeda

Efter Tizian kom mytologiska målningar äntligen på modet. Konstnärerna från efterföljande generationer lärde sig alla lärdomar av den store mästaren. Men de gjorde kompositionerna mycket mer komplicerade.

Samma Rubens "tryckte" bokstavligen sina hjältars kroppar ihop. Och framför oss ligger en otrolig sammanvävning av armar, huvuden och ben.

Det är därför det är så svårt för oss att njuta av mytologiska målningar från 1600-talet. Inte bara är handlingarna inte alltid kända, utan alla karaktärer måste också ses.

Så den gyllene tiden för mytologiska målningar är 1500-1600-talen.

På 1700-talet fördrevs de något av rokokons ganska jordiska och söta skönheter.

Och i slutet av 1800-talet ersattes de av realism och impressionism. Myter har äntligen gått ur modet.

Men mytologiska målningar hänger fortfarande på museer. De är trots allt ett mycket viktigt kulturlager. Och bara små luckor i vår kunskap hindrar oss från att njuta fullt ut av dem.

Monumental målning av antikens Grekland

Endast ett mycket litet antal originalmålningar från 700-300-talen har överlevt. före Kristus e.. Ytterligare källor för forskning är beskrivningar av antika författare: Plinius, Pausanias, Plutarchus, samt romerska kopior från obevarade grekiska original.

Grekisk monumentalmålning under 700-300-talen. före Kristus e. utvecklas från en "färgad teckning" till att måla med chiaroscuro, volym och överföring av rymd.

En karakteristisk egenskap hos grekisk väggmålning är dess underordning till arkitektur, önskan att förmedla strukturen på väggen i ett hus i målning. Denna funktion manifesteras i den strikta, definitivt bestämda fördelningen av bälten, eller zoner, ornament och friser på målade väggar under den arkaiska eran, och i den strukturella målningsstilen av husen i Delos och Priene under 300- och 200-talen. före Kristus BC, och i arkitektoniska stilar av väggmålningar i östra Medelhavet och Italien på 1: a århundradet. n. e. och i 2:a och 300-talens inläggningsstil. Denna tektoniska början av väggmålning dör aldrig i antiken. Till och med figurmålning från 600-talets arkaiska era. före Kristus e. och monumentala målningar av de stora mästarna på 500-talet. före Kristus e. Mycona och Polygnota var helt inom ramen för murens tektoniska indelning. Breda flerfigursfriser har alltid sin strikt definierade plats, de är otänkbara någon annanstans på väggen. Frånvaron av vissa ornament på vissa delar av väggen, sluttningar eller takvalv är också otänkbar. Och till de frontoner som oundvikligen bildas på de smala väggarna i gravkammare med gaveltak i den arkaiska eran, och till lunetterna som formas med ett välvt tak i den hellenistiska eran av 2:a och 1:a århundradena. före Kristus t.ex. är begränsade till figurkompositioner och växtmotiv som inte kan flyttas.

De viktigaste centra för grekisk monumentalmålning på 700-talet. före Kristus e. Korint och Sicyon övervägdes. Således målades väggarna i templets cella i Olympia, enligt befintlig information, av de korintiska mästarna Cleanthes och Arigon, som främst vände sig till mytologiska ämnen. Cleanthes skapade en komposition på temat Athenas födelse och förstörelsen av Troja. Arigon skapade en målning tillägnad Artemis. Att döma av dessa data försökte forntida mästare redan under den tidiga arkaiska perioden skapa stora bildcykler. Men tyvärr har vi ingen aning om själva naturen hos dessa bilder.

De första exemplen på monumentalt arkaiskt måleri som har kommit till oss från 700-talet. före Kristus e. är metoper - platta keramikplattor målade av målare.

Metoper (grekiska, singular metop), rektangulära plattor som omväxlande med triglyfer bildar en fris av dorisk ordning. Metoper dekorerades ibland med reliefer, mer sällan med målningar. Inledningsvis (före utvecklingen av stenarkitektur) i antikens Grekland var metoper namnet på de rektangulära utrymmena mellan ändarna av golvbjälkarna som vetter mot byggnadens fasad.

Arkaiskt måleri kännetecknas av en platt design, en grafisk kontur, dekorativ, lokal färgsättning som avslöjar siluetten eller senare kroppens volym på ett plan, och en nästan fullständig ointresse för att förmedla den omgivande miljön. eds.

Dessa är de målade metoperna av Apollontemplet i Fermos (slutet av 700-talet f.Kr.). Deras intensiva uttrycksfullhet och enkelhet i kompositionen visar att den antika målaren redan tog hänsyn till kraven för monumentalmålning, uppfattad från ett relativt betydande avstånd.

Med ett begränsat antal färger strävade mästaren fortfarande efter att skapa ett intryck av större färg än vasmålarna. Den svarta konturen av figuren målades på en gulrosa bakgrund, figuren målades i rosa-brunt och lila, vitt och svart användes för att avbilda kläderna.

Tillsammans med verk av monumentalmålning som direkt ingår i arkitekturen, mästare på 700-talet. n. e. och särskilt 600-talet. före Kristus e. de skapade små verk på keramiska tabletter, de så kallade pinakas. Pinakas hade vanligtvis en votiv karaktär, det vill säga de var tillägnade gudar och presenterades som en gåva till templet.Stylistiskt skilde sig pinakas relativt lite från målade metoper.

De specifika egenskaperna hos det arkaiska måleriet nådde en speciell blomning på 600-talet. före Kristus e. Tillsammans med Korint läggs centra som Aten, Miletos och Samos fram. Mästare i pinakmålning börjar sträva efter en kombination av dekorativa färgscheman med större specificitet för att förmedla evenemang och börjar skapa relativt komplexa flerfigurskompositioner. Från denna tid har målningar gjorda på trä också kommit ner till oss, det vill säga med en teknik som befriade mästaren från behovet av att ta hänsyn till färgernas brandmotstånd. Denna förändring hade inte bara teknisk, utan också konstnärlig betydelse. Det utökade paletten något och gav frihet i färganvändningen. Detta är en offerscen skriven med limfärger på en träskiva (cirka 540-530 f.Kr.).

MED
den lugnt återhållna rytmen hos processionens rörliga gestalter, den relativt realistiska återgivningen av individuella motiv (en pojke som leder ett får till slakt, gestalterna av musiker) är de karaktäristiska dragen i denna komposition. Den pittoreska lösningen av "bilden" är kännetecknas av en mjuk dekorativ klang i en kombination av blått (peplos) och rödbrunt (himatia ). Användningen av konturdrag med svarta och röda linjer (kvinnors händer och ansikten) är typiskt. De gyllenbruna färgerna på föremålen som bärs av deltagarna i processionen framträder vackert - en krans, flöjter, lyra, lekythos. I naturen är dessa föremål flerfärgade och varierande i sitt material. Konstnären begränsar sig till att kontrastera dem med figurernas mer differentierade färgliv, vilket motsvarar önskan att betona objektattributens och miljöns underordnade position i förhållande till bilden av en person. Dessutom tog konstnären hänsyn till faktorn för uppfattningen av målningen: betraktaren undersökte kompositionen genom rörelsen av figurerna från vänster till höger, bedömde en viss rytmisk växling av färgkombinationer, deras genomtänkta harmoni, färgkonstruktion, som har sin egen speciella utveckling, sin egen inre musikalitet och poesi.

Målningen av Mindre Asien Grekland intog en framträdande plats under denna period. Enligt informationen från de gamla började Mindre Asiens mästare skapa, tillsammans med verk på mytologiska teman, målningar som förmedlar (förmodligen i en glorifierad, generaliserad form) historiska händelser. Det är känt att målningen som beställdes av Mandrocles, byggaren av bron över Bosporen, föreställde den persiska armén som korsade Bosporen. Mer typisk för grekisk kultur på 600-talet. före Kristus e. sådana målningar (också endast kända från recensioner av antika författare) som kompositionen "Slaget om grekerna med trojanerna vid skeppen" skapad av konstnären Califon av Samos, som dekorerade Artemis-templet i Efesos.

Man kan bedöma de stilistiska tekniker som används i sådana kompositioner av mästare i Joniska och Mindre Asien Grekland från målningarna av några terrakottasarkofager från andra hälften av 600-talet. före Kristus e. från Rhodos och Klazomen. Typiskt, på dessa sarkofager, målades mörka silhuetter av figurer på en krämbakgrund, dessutom framhävd med vit färg. De mest intressanta är de sarkofager där, tillsammans med dekorativa friser, berättande kompositioner (till exempel vagnkapplöpningar, stridsscener, etc.) placerades på insidan av locken. Detta är målningen av sarkofagen som förvaras i British Museum, som visar grekernas strid med barbarerna. Mästaren strävar efter att skapa en dynamisk sammansättning baserad på växlingen av grupper av kombattanter.

Under andra hälften av 600-talet. före Kristus e. i Grekland strävar måleriet efter allt större nåd och ädel färgharmoni. Paletten av målare av denna tid använde gula, vita, svarta, bruna, blå, röda och gröna färger, färgen behöll sin lokala karaktär. Formmodellering med chiaroscuro användes tydligen inte. Problemet med att förmedla ljus och avbilda det omgivande landskapet eller vardagsmiljön mötte som regel inte målare under andra hälften av 600-talet. före Kristus e. Bilden var dock i slutet av seklet befriad från sin eftertryckligt platta karaktär. Tack vare modelleringen av muskler med svarta linjer inuti siluetten började kroppsformer få större plastvolym. Vi kan också prata om de första försöken att förmedla det allmänna fysiska och andliga tillståndet för hjältens bild.

P en idé om måleriets utveckling under andra hälften av 600-talet. före Kristus e. i Attika ger han en pinaka tillägnad, som inskriptionen säger, till "de vackra Megacles".

Mästaren kombinerar en lakonisk och dekorativ tolkning av siluetten med en levande överföring av rörelse. Den exakta kontrasten mellan den flexibla kroppens dynamik och stabiliteten i sköldens geometriska form visar att målaren redan har bemästrat överföringen av en persons estetiskt sublima skönhet och vet hur man betonar den. Färgskalan är mycket uttrycksfull: i sin återhållsamma lakonism är den mer monumental än mönstrad och dekorativ. Figurens svarta kontur, kroppens bruna ton med musklerna skisserade i svarta linjer påminner en del om teknikerna för vasmålning med röda figurer. Svarta kläder, en vit sköld och ett lila hjälmvapen skapar en dämpad färgskala.

På 500-talet före Kristus e. förståelse för plotsituationen i målning växer fram, mästare av monumentalmålning strävar efter att förmedla inte bara det yttre fysiska utseendet utan också det stabila, inre andliga och moraliska tillståndet hos sina hjältar. Målare behärskade den realistiska skildringen av människan och sammankopplingen av grupper av människor.

Den dominerande tekniken för monumentalmålning på 500-talet. före Kristus e. det fanns en fresk, från seklets andra hälft kom lim och vaxfärger (den så kallade encaustic) i bruk.

Encaustic är en teknik för att måla med heta vaxfärger smälta till flytande tillstånd. Med den enkaustiska målningsmetoden når torkade och härdade färger stor färgstark intensitet och bevaras i århundraden. De största grekiska målarna - Apollodorus, Pausius, Parrhasius - skapade monumentala enkaustiska väggmålningar. En av de stora fördelarna med enkaustisk målning var att det gjorde det möjligt att använda alla färger av färg, inklusive de finaste nyanserna, och mycket värdefulla pigment utvunna ur växter och skal, och inte bara kalkresistenta färger, som är fallet i fresk . Med enkaustisk målning uppnås en sådan intensitet och förbränning av färg som i ingen annan typ av målning. Endast enkaustiska staffliporträtt målade på träskivor i Egypten under den hellenistisk-romerska eran har överlevt. Dessa är de så kallade Fayum-porträtten (finns i Fayum), de placerades hos den avlidne i sarkofagen. De enkaustiska väggmålningarna av grekerna, som åtnjöt så enorma framgångar i både den grekiska och romerska världen, har inte nått oss. Enkaustisk målning var dyrare än fresk, men uppnådde stora färgglada effekter.

Den antika världens folk gjorde till en början ingen skillnad mellan att måla levande människors hus och att måla de dödas hus - krypter. Och här och där samma indelning av väggen, samma färger, samma ornament, samma principer för dekoration. Detta visade sig särskilt tydligt i väggmålningarna av krypter och hus under 400- och 200-talen. före Kristus e. Vid denna tidpunkt är bilder av kulten efter livet och bilder av chtoniska gudar sällsynta och onödiga i krypterna. Dekorativa principer råder och bestämmer målningens karaktär. Först i slutet av den hellenistiska eran och i krypterna som går tillbaka till vår tid, introduceras intriger och bilder av begravningskulten, livet efter detta, underjordiska gudar, psykopompernas gudar - driverna av de dödas själar - mot bakgrunden av rent dekorativt målning.

Nästan den enda och relativt bästa originalmålningen från 400-talet. före Kristus e. - målning med freskoteknik av sarkofagen "Dykarens grav". Den är tillägnad skildringen av ett fest-symposium (möjligen en begravningsfest).

På två långa väggar placerade mästaren fem deltagare i symposiet, liggande på bankettsängar.
En av ändväggarna är dekorerad med bilden av musiker och en dansande deltagare i festen, på den andra väggen finns en munskänk vid kratern. På insidan av kistans stenlock finns en figur av en dykare utsträckt under flykten, rusande in i havets djup. Därför är fyndets allmänna namn "Dykarens grav".

En mästerlig kompositionslösning, subtil kontroll av rytm och färg, naturligtvis, inom den plastiska uppfattningen av världen som är karakteristisk för de tidiga klassikerna, visar att dessa fresker skapades av en konstnär som stod på en ganska hög nivå av sin tids kultur.

I två motstående och balanserande grupper av festmåltider förkroppsligas två nästan lika viktiga aspekter av symposiet. Trots allt var själva firandet - drickandet av vin, ofta rituellt motiverat, oupplösligt kopplat till extasen att överlämna sig till musikens, sång- och dansvärlden. Motsatta principer -
det bacchiska och det musikaliska är här kopplade till en enda harmoni av samtidig tjänst för Dionysos och Apollo. Därför, om till vänster (i förhållande till tittaren, som ser en platta med dansare framför sig) festmåltidarna med glädje sträcker kilikis med vin framåt och uppåt, spelar kottab, kastar droppar oavslutat vin för att hedra gudarna eller älskarna, och trycker sina läppar mot skålen, sedan på den motsatta väggen avbildas festmåltiderna överlämnande av musikens glädje.

På insidan av locket till dykarens gravs sarkofagen finns en skildring av en ung man som dyker från en viss eminens i havet, indikerad av en märkligt svullen grönblå massa. Det är möjligt att det bestämdes av vad som var utbrett i slutet av 600-talet. före Kristus e. mystisk lära om den mänskliga själen som postumt störtar i världshavet. Kanske beror detta på rituella motiv för rening.

I
Färgerna som användes i målningarna var vitt, brunaktigt körsbär, ljusare rödaktig terrakotta, blått, rosa och svart. Gravens mästare överger den konventionella svarta siluetten och vänder sig till en rödaktig ton som är närmare den mänskliga kroppens natur. Trots palettens relativa lokalitet och enkelhet använder konstnären mycket subtilt olika nyanser av samma färg,

Dessa attribut, de objekt som konkretiserar den allmänna typen, den allmänna karaktären av mänsklig handling blir allt viktigare: bankettsängar, skålar, musikinstrument i festscenerna för mästaren på målningen "Dykarens grav". Dessa är redan delar av ett specifikt ämne, vardag och naturlig miljö. De visas till den grad att de är en del av en persons plastiska handling, och de själva fungerar som plastiskt synliga föremål.

Under andra kvartalet och i mitten av 400-talet. före Kristus e. Målarkonstens största mästare var Thassos inföding, Polygnotus, en mästare av stora flerfiguriga väggkompositioner, kännetecknad av ädel återhållsamhet och helhetens högtidliga storhet. Enligt litterära källor, särskilt Aristoteles, "porträtterade Polygnotus män som bättre", medan andra senare mästare gjorde dem "sämre eller som oss." Polygnotus stora prestation var att han förmedlade sinnestillståndet inte bara genom rörelsens allmänna plasticitet, utan också tillgrep, tillsammans med gester, till grunderna för att förmedla ansiktsuttryck. De gamla hänvisade till det faktum att han tillförde livlighet i ansiktet genom att röra på ögonbrynen. Precis som dåtidens mästare inom plastisk konst tolkade han klädernas draperier som ett eko av kroppens liv, och jämförde uttrycksfullt rytmerna i den nakna kroppens liv med draperiernas pittoreska lek. Polygnotus tog också till att ange platsen för handlingen: han utpekade till exempel flodens stränder. Det som var nytt var Polygnotus önskan att modifiera formerna för kompositionskonstruktion av scener med flera figurer. Från ett frisliknande arrangemang av figurer i ett plan, flyttar han till deras fria arrangemang över hela väggens yta, men uppenbarligen bibehåller han en enda skala för alla figurer.

Liksom tidigare tiders målare hade Polygnotus en mycket begränsad palett. Man trodde att han huvudsakligen nöjde sig med fyra färger: svart, vit, gul och röd. Dessa referenser bör dock inte tas alltför bokstavligt. Det är osannolikt att paletten för en mästare av mogna klassiker, med all hans önskan om monumental klarhet, skulle vara sämre än en 600-talskonstnärs. före Kristus e. Dessutom finns uppgifter bevarade om att Polygnotus i en av sina målningar målade demonens kropp med en ton mitt emellan blått och svart, i samma anda försökte han måla den drunknade mannen i en grönblå färg. Icke desto mindre kännetecknades förmodligen Polygnotus målningar i allmänhet av monumental dekorativitet och lokal färg. Det är karakteristiskt att Polygnotus, liksom mästarna inom vasmåleri, införde inskriptioner i fresken med namnen på deltagarna i handlingen och därigenom försökte konkretisera bilderna.

Bland Polygnotus verk åtnjöts den största berömmelsen av hans storslagna kompositioner i Delfi, som skildrade fångsten av Troja och underjorden. Varje komposition, som fyllde ett fält på 9 x 4 m, inkluderade från 70 till 90 figurer och var uppenbarligen en kombination av ett antal separata, kompositionsmässigt oberoende episoder. Så i målningen "Destroyed Ilion" i mitten och överst avbildades grekiska ledare som fördömde Ayant för att ha förolämpat gudinnan Athena, under och på sidorna dödades krigare, gråtande fångar och så vidare. I samma fresk var en scen som visade Neoptolemus döda trojanerna. En speciell grupp ägnades åt Helen och Andromache. Och slutligen presenterades där också havsstranden och en del av Menelaos skepp, redo att segla, liksom en del av fästningsmuren med huvudet av en trähäst synligt bakifrån, med vars hjälp grekerna bedrägligt tog sig in i Troja. . På andra sidan av målningen fanns Antenors hus, som skonades av grekerna.

På 460-talet. före Kristus e. Polygnotus skapade tillsammans med mästaren Mykon väggmålningar tillägnade Theseus. Polygnotus skildrade Theseus deltagande i lapiternas kamp med kentaurerna, och Mykon skildrade Theseus besök i havsriket. Något senare dekorerade Polygnotus, Micon och Panenus Propylaeas monter, kallad "Poikile" ("målad") med ett antal målningar på både mytologiska teman ("Fångsten av Troja" och "Amazonomachy") och historiska teman ("Slaget") av Marathon" " och "Battle of Other").

Någon uppfattning om bildstilen från det sena 500-talet. före Kristus e. kan ge en underbar serie pittoreska friser på brädor från Kul-Oba-högen (Kerch). En av friserna skildrar bortförandet av Leucippus döttrar, en annan skildrar arimaspiernas kamp med griffiner, den tredje frisen är tillägnad den dekorativa skildringen av djur. Det är av grundläggande betydelse att på en fris i en grupp galopphästar täcker en av dem delvis den andra. Detta är ett exempel på en mer realistisk skildring av en grupp i målning under andra hälften av 400-talet. före Kristus e. jämfört med seklets början. Återgivningen av skuggor på några av friserna är också mycket avslöjande. Detta är ett viktigt steg mot en känsla av miljö och belysning, tidigare okänt för måleri. Det är möjligt att Mikon redan behärskade denna teknik.

Upptäckten av chiaroscuro (förmodligen ljus och skugga, eller någon form av sfumato) förknippas med namnet Apollodorus. Apollodorus anses också vara den första målaren som använde halvtoner.

I slutet av 400-talet. före Kristus e. måleriet kom nära den medvetna utvecklingen av dess visuella och uttrycksfulla förmåga.

Timanf i målningen "The Sacrifice of Iphigenia" försökte, enligt handlingen, förmedla olika graderingar av tillståndet av sorg hos deltagarna i evenemanget

X Konstnärer från den sicyonska skolan utvecklade, efter Polykletus, en proportionell grund för att konstruera en idealiskt vacker mänsklig figur.

Slutet av 400-talet före Kristus e. datera den tidigaste grekisk mönstrade mosaiken som hittades i Korint (Kentaurernas bad).

Att slutföra golv med småsten var vanligt i Grekland på 800-600-talen. före Kristus t.ex., det var bara stenläggning utan ornament; stengolv har bevarats i helgedomen Artemis i Sparta och Athenatemplet i Delfi.

En mosaikpanel från Korint föreställer ett hjul inramat av tre rader av bårder: trianglar, meander och vågor - prydnadsmotiv som har blivit ett slags grafiska symboler för den grekiska kulturen. I hörnen på torget där bilderna är inskrivna finns figurerna av en kentaur som jagar en leopard och en åsna.

Figurerna är avbildade på panelen i kontur i profil, utan försök att ge dem volym, i två färger (vitt på svart).

Grekisk mosaik från 500-talet. före Kristus e. också bevarad i Olynthos, Peloponnesos, Attika, Euboea

Golvmosaik har hittats i privata interiörer sedan 300-talet. före Kristus e..Även om bilderna fortfarande är schematiska, började de från och med denna tid använda färgade småsten. Slutet av IV-III-talet. före Kristus e. datera "mosaiken med Scylla" (Dionysos hus, Paphos)

Bland bildmotiven används stiliserade växtbilder av palmetter, akantusblad, murgrönalockar, lotusblommor, änglatrumpeter, bilder av ett lejon, grip, gepard, örn och människofigurer. På 300-talet. före Kristus e. Monumentalmålning var fortfarande utbredd. Mästerverken av denna målning, så vältaligt hyllade av de gamla, har inte nått vår tid.

Mitten av 300-talets största mästare. före Kristus e. var Nikias. En uppfattning om hans stil kan ges av en av väggmålningarna i Pompeji, även om den mycket felaktigt återger den berömda målningen av Nicias "Perseus och Andromeda".

Figurerna på den framlidne avskrivarens fresk bärs som på 400-talet. före Kristus t.ex. statuära till sin natur, men deras rörelser förmedlas friare, deras vinklar är djärvare. Visserligen är landskapsmiljön fortfarande mycket sparsamt skisserad. Nytt jämfört med de mogna klassikerna är formens mjuka ljus-och-skuggmodellering och ett rikare färgområde.

Utvecklingen av det antika måleriet mot en större bildfrihet för avbildningen förkroppsligades mest, enligt de gamlas vittnesbörd, i Apelles verk. Hans "Aphrodite Anadyomene" skrevs för Asclepius tempel på ön Kos. Samtida häpnade inte bara av den mästerliga skildringen av den våta nakna kroppen och det klara vattnet, utan också av Afrodites lysande blick med lycka och kärlek. Uppenbarligen var konstnären intresserad av att förmedla en persons sinnestillstånd.

N
och ett av Apelles verk har inte nått oss i några tillförlitliga exemplar. De bevarade beskrivningarna av dessa kompositioner gjorde dock ett stort intryck på renässanskonstnärer. Sålunda var Botticellis berömda målning "Allegory of Slander" inspirerad av den litterärt eleganta och detaljerade beskrivningen av Apelles målning om samma ämne. Om man tror på Lucians beskrivningar, ägnade Apelles stor uppmärksamhet åt den realistiska återgivningen av karaktärernas rörelser och ansiktsuttryck. Och ändå kan den övergripande sammansättningen ha varit något konventionell. Karaktärer som förkroppsligar vissa abstrakta idéer och koncept tycktes passera den ena efter den andra på en frisliknande ovikt komposition framför betraktarens ögon.

I
sista tredjedelen av 300-talet. före Kristus e. Det monumentala stridsmåleriet börjar kombinera förhöjd patetisk komposition med större detaljkonkrethet. En stor mosaikkopia har nått oss, uppenbarligen gjord av en bra hellenistisk mästare från målningen av Philoxenus "Slaget om Alexander den store med Darius".

I detta verk, i motsats till den heroiskt-mytologiska tolkningen av det historiska temat inneboende i 400-talets konst. före Kristus e., mästarens önskan om en mer realistisk och specifik förmedling av stridens allmänna karaktär är tydligt synlig.

Mästaren förkroppsligade skickligt dramat i situationen: rädslan för Darius, den häftiga impulsen från Alexander som leder kavalleriet. Stridens element, mänskliga massors rörelse, den uttrycksfulla rytmen av svajande spjut förmedlas också skickligt, vilket jämfört med 500-talet. före Kristus e. definierat ett nytt inslag i utvecklingen av grekisk konst.

Det monumentala måleriets blomstring på 300-talet bidrog till den utbredda spridningen av färgglada flerfigurmosaiker som dekorerar golv och väggar; mosaiker blev ett av de viktigaste sätten att skapa en palatsatmosfär i inredningen av ett hus; dess närvaro i interiören talade inte bara om ägarens rikedom, vilket inte var förvånande, utan om hans tillhörighet till den höggrekiska kulturens värld

I mosaikerna som prydde golven i bostadshus och offentliga byggnader i Delos, Priene, Chersonesos och palats i Pella vände sig mosaiker till vardagliga scener från livet och mytologiska bilder, såväl som intriger hämtade från samtida komedier eller romaner. Olika tendenser uttrycktes i mosaikerna: ett fritt, pittoreskt sätt att tolka handlingen eller ett eftertryckligt harmoniserat sätt, som dras mot klassisk omtänksamhet i kompositionen och återhållsamhet i återgivningen av dramatiska scener älskade av hellenismen.

HANDLA OM
Av särskilt intresse är golvmosaikerna som hittades vid utgrävningar i Pella, hemstaden till Alexander, huvudstaden i det makedonska riket (340–300 f.Kr.).

E
sedan mosaiker sk. "Dionysos hus" ("Dionysos", "Lejonjakt"),

och "Houses of the Abduction of Helen" ("The Deer Hunt" och "The Abduction of Helen" (bevarat fragment)).

N
och mosaiken som visar en scen av en hjortjakt har inskriptionen: "γνῶσις ἐποίεσεν" ("Gnosis made") - författarens första autograf i mosaikens historia.

Detta är en ny nivå av mosaikkonst, som varken mästarna i det klassiska Grekland kände till och som inte kommer att uppnås av mästarna från den hellenistiska eran på länge. Här framträder för första gången realism: rymd och volym, färg används fritt. Tekniken innebär noggrant urval av småsten, inte bara i storlek utan också i form; för bättre detaljer används nya material - remsor av lera och bly.

Detta förklaras av att mästare Gnosis orienterade sin konst mot samtida realistiskt måleri, medan andra, både tidiga och sena mästare, orienterade mosaik mer mot vasmålning med röd figurmed sitt övervägande tvåfärgade färgschema och platta grafik.

Pella mosaik är höjdpunkten av konsten av stenmosaik och även om småsten fortfarande skulle användas under 300- och 200-talen. före Kristus e. det håller på att bli föråldrat som material för konstnärliga verk.

Under den sista fjärdedelen av IV-I-talen. före Kristus e (hellenistisk period) det sker en förändring i den antika världsbilden, det konstnärliga språket för plastisk konst förändras.

Hellenistiska huvuddragkonst- överviktdekorativfunktioner och formella egenskaperbildöver den materiella sidan, motsägelser av innehåll och form, spänning, känslomässig impuls, blandning av grekiska och österländska traditioner, brist på harmoni och mått i förhållande till människan, enkelhet och klarhet - allt som utgjorde de grekiska klassikernas glans.

Århundradet för den högsta blomningen av skulptur under den klassiska perioden var också århundradet för det grekiska måleriets blommande. Det är från denna tid som en anmärkningsvärd bildnyhet går tillbaka, som sedan gick förlorad och, så att säga, återupptäcktes, återupplivades först under de stora italienska mästarnas tid - renässansen: konsten att chiaroscuro. Apollodorus från Aten var den första som inkluderade halvtoner i sin palett, för vilken han fick smeknamnet Shadow Writer. Införandet av chiaroscuro var av stor betydelse för utvecklingen av realistiskt måleri.

Under Iliaden och Odysséens tider var vasmålningen primitiv - geometriska mönster dominerade. På 7-600-talen. FÖRE KRISTUS. Scener från legender och myter är skrivna på vaser; Herkules bedrifter och det trojanska kriget var särskilt populära. Tekniken med svartfigurmålning dök upp (figurer målade med svart lack stod skarpt ut mot den röda bakgrunden av lera, ill. 51).

I 530-525 FÖRE KRISTUS. ett nytt sätt att måla vaser dyker upp - röd figur (figurerna lämnas i lerfärgen, och bakgrunden är täckt med svart lack, ill. 52). Denna teknik öppnade för nya möjligheter att rita. Konstnärer började avbilda kläder med små veck, kantmönster, tunna hårstrån och små lockar.

Förutom Apollodorus skuggskrivaren är även andra målare kända: Zeuceis, Parrhasius, Timanthos. Deras arbete präglas av emotionalitet och realism. Monumentalmåleri utvecklades dock inte i så stor skala som vasmåleri.

Keramik täcktes med prydnads- och motivmålningar. Med tiden förändrades också målningsstilen. Tidig keramik markeras av den så kallade svarta figurstilen - svarta bilder på röd bakgrund. Senare dök en röd figur, eller svart-lack, stil upp, när bakgrunden mellan målningarna var täckt med svart lack, som konturerade mot denna bakgrund och bibehöll tonen i huvudmaterialet - bakad röd lera. Designen på vaserna var grafiska och plana till sin natur. De vanligaste formerna av vaser var: amfora (för att lagra vin och olja) - ett elegant kärl med en rund behållare, en hög hals och två handtag; krater (där vin serverades till bordet) - ett kärl med en behållare i form av en omvänd klocka och två handtag i dess nedre del; kilik - ett kärl för att dricka vin i form av en platt skål på en hög stjälk; hydria (för att lagra vatten) - ett högt kärl med tre handtag. Antika vaser, utöver deras konstnärliga och utilitaristiska funktioner, fick med tiden en annan betydelse - historisk och dokumentär, eftersom bilderna på dem expanderar och förtydligar våra idéer om grekisk konst, interiörer, liv, kostymer för människor från den eran och särdragen. av den mytologiska visionen av världen. Ornament intar en framträdande plats i arkitekturen och konstverken i antikens Grekland. Liksom all grekisk konst utvecklades den. Ursprungligen dominerades den av motiv av österländskt ursprung (sfinxer, griper), men under den klassiska perioden ersattes de av ämnen hämtade från miljöliv, natur eller geometriska. Grekerna visade en exceptionell känsla för proportioner och uppfinningsrikedom när de ritade olika dekorativa element och detaljer, använde dem i olika variationer, kombinationer och rytmer, med hjälp av stilisering. Genom att ständigt förändra relationerna mellan dem uppnådde de konstverkens unika karaktär.

Litterära källor bekräftar att 300-talet. FÖRE KRISTUS. är en ljus blomning av målning. Konstnärer skapar stafflimålningar av olika genrer: stilleben, strider, porträtt, historiska målningar. På 300-talet dök det upp en målarakademi i Sikyon med sina egna undervisningsregler, en solid teori om att måla med perspektiv. En annan skola uppstod i Thebe, där patriotiska målningar skapades. Tyvärr har målningarna av mästarna som skapade vid denna tid inte nått oss.

Under den hellenistiska eran växte konsten att realistiskt måla fram i Alexandria och Pergamon, som utvecklades i porträtt, landskap och karikatyrer.

Forntida grekisk skulptur, som glorifierar den andliga och fysiska skönheten hos en fri person, blev standarden för skulptörer och konstnärer från renässansen och klassicismens kultur. Museihallar med antik skulptur är en ständig framgång bland besökare som beundrar perfektionen av antik grekisk konst.

Antiken hade störst inflytande på efterföljande generationers kultur - konst i antikens grekland och det antika Rom från 900-1000-talen f.Kr. e. och till 300-talet e.Kr. Den antika kulturens vagga var antikens Grekland – en bit mark i Medelhavet. Här föddes och blomstrade det "grekiska miraklet" - en gigantisk andlig kult som har behållit sitt inflytande och charm i årtusenden. Den antika grekiska kulturen hade ett avgörande inflytande på utvecklingen av kulturen i det antika Rom, som var dess omedelbara efterföljare. Den romerska kulturen blev nästa fas och en speciell version av en enda gammal kultur. Den antika konstens lugna och majestätiska skönhet tjänade som förebild för senare tider i konsthistorien. Det fanns tre perioder i den antika grekiska konstens historia: a r x a i k a (VII - VI århundraden f.Kr.); klassiska (V -IV århundradet f.Kr.); e l l i n i z m - (III - I århundradet f.Kr.).

Templen var vackra antika grekiska byggnader. De äldsta ruinerna av tempel går tillbaka till den arkaiska eran, då gulaktig kalksten och vit marmor började användas. Vanligtvis stod templet på en avtrappad bas. Det bestod av ett rum utan fönster, där det fanns en staty av en gudom, byggnaden var omgiven av en eller två rader av kolumner.

Kolumner var en integrerad del av strukturer i antikens Grekland. Under den arkaiska eran var kolonnerna kraftfulla, tunga, något vidgade mot botten - denna stil av kolonner kallades Doriska. Under den klassiska eran utvecklades kolonnens stil jonisk- kolumnerna är mer eleganta, smala, dekorerade med lockar på toppen - i volymer. Under den hellenistiska eran började arkitekturen sträva efter prakt. Bildas Corinthian stil av kolumner - de blev graciösa, smala, eleganta, rikt dekorerade med blommönster. Systemet med pelare och tak i antikens Grekland kallades motivera. Varje stil har sin egen ordning, som har sina egna egenskaper och heter som stilen - dorisk, jonisk och korintisk i antikens Greklands konst.

Den grekiska arkitekturens storhetstid inträffade under den klassiska eran (500-talet f.Kr.), under Perikles regeringstid. Han började storslagna byggnadsarbeten i Aten. Vi har bevarat ruinerna av den viktigaste strukturen i antikens Grekland -. Redan från dessa ruiner kan man föreställa sig hur vacker Akropolis var på sin tid.En bred marmortrappa ledde uppför kullen.

Akropolis var omgiven av många tempel, det centrala var Parthenon, omgivet av 46 kolonner. Pelarna är gjorda av röd och blå marmor. Kolumnernas färg och ljus förgyllning gav templet en festlig känsla. Känslan för proportioner, noggrannhet i beräkningar, dekorationens skönhet - allt detta gör Parthenon till ett oklanderligt konstverk. Än idag, tusentals år senare, förstört, gör Parthenon ett outplånligt intryck. Den sista konstruktionen av Akropolis var ett tempel tillägnat Athena, Poseidon och den mytomspunna kungen Erechtheus, som kallades Erechtheion-templet.

På en av de tre portikerna i Erechtheion-templet, istället för kolonner, stöds byggnadens tak av kvinnliga figurer - karyatider. I allmänhet dekorerade många skulpturer och skulpturala kompositioner Akropolis. Under den hellenistiska eran började de ägna mindre uppmärksamhet åt tempel, och de byggde öppna torg för promenader, utomhusamfiteatrar, palats och idrottsanläggningar. Bostadshus blev 2- och 3-våningar, med stora trädgårdar och fontäner. Lyx har blivit målet.

Grekiska skulptörer gav världen verk som fortfarande inspirerar beundran bland människor. Under den arkaiska eran var skulpturerna något begränsade, de föreställde nakna unga män klädda i flödande klädveck.

Under den klassiska eran var skulptörernas huvudsakliga verksamhet att skapa statyer av gudar och hjältar och dekorera tempel med reliefer. Gudarna framställdes som vanliga människor, men starka, fysiskt utvecklade och vackra. De avbildades ofta nakna för att visa kroppens skönhet. I det antika Grekland ägnades stor uppmärksamhet åt fysisk utveckling, sport, och en integrerad del av denna kultur var människokroppens skönhet. Under den klassiska eran levde sådana underbara skulptörer som Miron, Fidiy och Poliklet. Dessa skulptörers verk kännetecknades av mer komplexa poser, uttrycksfulla gester och rörelser. Den första mästaren av komplex bronsskulptur var Miron, skaparen av skulpturen "D och skobol". Det bör dock noteras att skulpturerna från denna era ser lite kalla ut, deras ansikten är likgiltiga, liknar varandra. Skulptörerna försökte inte uttrycka några känslor eller känslor. Deras mål var att bara visa den perfekta skönheten i kroppen. Men på 300-talet f.Kr. e. de skulpturala bilderna blev mjukare och mer känsliga. Skulptörerna Praxitel och Lisip i sina skulpturer av gudar gav värme och vördnad till den släta marmorytan. Och skulptören Skopas förmedlade starka känslor och upplevelser i sina skulpturer.

Senare, under den hellenistiska eran, blir skulpturen mer magnifik, med överdrivna passioner.

Athena är en av de högsta olympiska gudarna. Hon är rimlig och rimlig. Hon är himlens gudinna, molnens och blixtens älskarinna, fruktbarhetens gudinna. Hon är förkroppsligandet av statsmannaskap, storhet och outtömlig styrka. Detta är statyn av Jungfru Athena, Phidias mest kända verk. Athena står på full höjd (statyns höjd är cirka 12 m), på gudinnans huvud finns en gyllene militärhjälm med högt vapen, och hennes axlar och bröst är täckta av en gyllene aegis (en mytisk sköld som bringar skräck till fiender) med Medusas huvud. Den vänstra handen vilar på skölden, i den högra håller Athena figuren av gudinnan Nike. Strikta draperier av långa kläder betonar figurens majestät och lugn.

Vårt land kommer inte att gå under för evigt, för väktaren är som den gode Pallas Athena,
Stolt över sin formidabla far sträckte hon ut händerna över sig.
(Elegy of Solon)

Zeus delade makten över världen med sina bröder: Poseidon fick himlen, Hades de dödas rike och Zeus lämnade himlen för sig själv. Zeus kontrollerade alla himmelska fenomen och framför allt åska och blixtar.

Tyvärr är detta en rekonstruktion av den förlorade skulpturen av Zeus. Statyn ockuperade nästan hela templets inre utrymme. Zeus sitter på en tron ​​med huvudet nästan vid taket, hans höjd var cirka 17 meter. En av de grekiska poeterna, som beundrade Fidiev Zeus utseende, skrev en kuplett. känd i hela Hellas:

"Kom Gud ner till jorden och visade dig, Phidias, sin bild

Eller gick du upp till himlen för att själv se Gud?”

Statyn av Zeus imponerade inte bara med den storhet som Phidias gav gudomen, utan också med en känsla av frid, majestätisk visdom och oändlig vänlighet. "Kungen av gudar och män" satt på en magnifik, rikt dekorerad tron. Den övre delen av hans bål var naken, den nedre delen var draperad i en lyxig mantel. I ena handen höll guden en staty av Nike Segern, i den andra - en stav toppad med en bild av en örn - Zeus heliga fågel. På hans huvud fanns en krans av olivkvistar.

Statyn gjordes med den mest sofistikerade tekniken. Basen var uthuggen i trä för de delarna av kroppen. som förblev nakna, tunna plattor av polerat elfenben applicerades, kappan täcktes med ett tunt lager av jagat guld, som om det var vävt med bilder av liljor, stjärnor och djur.

Olympia var en av de viktigaste helgedomarna i Grekland, enligt legenden var det här som Zeus vann en seger under Kronos, till minne av Zeus stora seger och de olympiska spelen etablerades, och enligt en av legenderna hjälten Hercules gjorde detta för att hedra sin far.

Herkules är son till Zeus, en av de mest kända grekiska gudarna. Hans 12 arbeten är kända, om vilka många legender berättar och som ofta avbildades i sina verk av konstnärer och skulptörer. Lysippos i denna skulpturgrupp skildrar kampens avgörande ögonblick: Herkules klämmer ihop lejonets hals med sin mäktiga hand, alla hjältens muskler är extremt spända och odjuret, kippar efter andan, gräver sig in i hans kropp. Men trots att motståndarna är värdiga varandra ser lejonet, vars huvud är klämt under Hercules arm, nästan löjligt ut. Legenden hävdar att Hercules var Lysippos favoritkaraktär, och Lysippos var Alexander den stores hovmästare.

Poseidon är havets och sjöfartens huvudgud. Han bor i palats i havets djup och lyder ingen, inte ens sin allsmäktige bror Zeus. Han orsakar jordbävningar, höjer och stillar stormar, Han hjälper sjömän genom att skicka snabba strömmar och flytta skepp från stenar och grunda med en treudd. Alla öar, kuster och hamnar var under Poseidons styre, där tempel, altare och statyer restes för honom.

Perseus, son till Zeus och Danae, hittar fruktansvärda monster - Gorgonerna - på havets kust. Istället för hår hade de ormar som ringlade runt sig, istället för tänder, huggtänder som stack ut som en galts, deras armar var gjorda av brons och deras vingar gjorda av guld. En av gorgonerna, Medusa, förvandlade vem som helst till sten med en blick. Undervisad av gudarna slogs Perseus med Medusa och tittade på hennes reflektion i kopparskölden. Han skar av hennes huvud. Traditionellt förmedlar skulptören skönheten i den nakna kroppen, det stolta uttrycket i ansiktet på Perseus, som besegrade monstret, och förtvivlan i gorogonens ansikte.

Hermes är gudarnas budbärare, beskyddare av knep, gymnastik, resenärer och vägar, son till Zeus och Maya. Senare blev han skyddshelgon för boskapsuppfödare och herdar. Med sin trollstav kunde han söva vem som helst eller väcka dem. Med tiden är Hermes de olympiska gudarnas budbärare, Zeus härold, ambassadörernas beskyddare, handelns och vinstens gud. På Olympen njöt Hermes av universell kärlek, även om han älskade att hitta på olika spratt för gudarna: han stal svärdet från Ares, gömde Poseidons treudd, under hennes morgontoalett kunde Afrodite inte hitta hennes bälte och en gryta med osyrad deg tippades över huvudet på den lysande Apollon, men dessa upptåg löstes av detta nyttiga än Hermes tjänade gudarna och människorna.

Bland de mest kända verken från den hellenistiska antiken var den magnifika statyn av gudinnan Afrodite (vanligen kallad Venus de Milo) som hittades i början av 1900-talet på ön Melos. Denna staty av den antika kärlekens och skönhetens gudinna är betydligt högre än människans höjd, dess höjd är 207 cm. Den hittades utan händer, bara en handflata som innehöll ett äpple hittades bland spillrorna. Venus skönhet fascinerar och attraherar fortfarande, liksom Mona Lisas oförsvagade charm. Hon är halvnaken, täcket knutet runt hennes höfter, som går ner till benen i kraftfulla veck, gör henne ännu mer elegant och graciös. En kvinna bär sin nakenhet med samma utsökta enkelhet som en dödlig kvinna bär en elegant klänning. Hennes ansikte är majestätiskt lugnt och fridfullt. Forskare har funnit att statyn skapades vid skiftet mellan 2:a och 1:a århundradena f.Kr.

Storheten som fångas i denna marmorstaty återspeglar törsten hos folket i en turbulent era efter harmoni och kärlek. Venus väckte beundran hos många poeter och tvingade dem att ägna henne entusiastiska dikter.

Hur mycket stolt lycka rann ut i det himmelska ansiktet!

Så, alla andas med patos passion, alla glada över havets skum

Och med all segerrik kraft ser du in i evigheten framför dig.

Skulpturen hittades i slutet av 1400-talet i Belvedere-trädgården. Detta är en marmorkopia av originalet. Dess höjd är 2,24 m. Sedan denna staty blev känd har den till denna dag aldrig upphört att framkalla glädje och beundran hos konstnärer och konstkännare. Apollo är harmonins och konstens gud, han dödade draken Python, och så här avbildade skulptören honom. Statyns höjd är högre än mänsklig höjd, och hela posen uttrycker den storhet som fyller honom. Den eviga våren klär honom med charmig maskulinitet, kombinerat med ungdomens skönhet. Himmelsk andlighet fyller figurens alla konturer. Han förföljde Python, använde sin båge mot honom för första gången, och med sitt mäktiga steg kom han om honom och slog ner honom. Hans blick riktas som in i det oändliga, på hans läppar finns fiendens förakt. Statyn anses vara det högsta konstidealet bland alla verk som bevarats från antiken. Apollo ansågs vara en modell av klassisk skönhet; i århundraden kopierades han av skulptörer och sjöngs av poeter.